Maurizio Brunod (electric guitar, loop, live sampling, e –bow),
Garrison Fewell (electric and acoustic guitar, violin bow, slide, percussion, sticks, bells).

1) Ayleristic (G.Fewell); 2) Karnataka (G.Fewell/M.Brunod); 3) Mississippi moon
clouds (G.Fewell/M.Brunod); 4) Ascent –  for Ram Narayan (G.Fewell/M.Brunod);
5) Red air (G.Fewell/M.Brunod); 6) Unbroken circuit (G.Fewell/M.Brunod);
7) Ayleristic II (G.Fewell) – Mp4 video track by Lorenzo Scaldaferro.

Recorded and edited at Studio Pollaio, Ronco Biellese (Biella), by Pier Giorgio Miotto,
on 10th January and 6th February 2015; mixed and mastered at Artesuono Recording
Studio, Cavalicco (Udine), by Stefano Amerio, on 18th February 2015.
Produced by Luca A. D’Agostino and Luciano Rossetti (Phocus Agency).

A qualche mese dalla pubblicazione del disco è arrivata la triste notizia che il 5 luglio 2015 Garrison Fewell ha definitivamente perduto la sua lunga e coraggiosa battaglia contro il tumore diagnosticatogli nel dicembre 2013. Era nato il 14 ottobre 1953 a Charlottesville, Virginia, e cresciuto a Philadelphia, Pennsylvania: questa è stata forse la sua ultima registrazione ufficiale in studio.  Ciò nonostante, non abbiamo voluto cambiare le note di presentazione del disco, che riportiamo integralmente di seguito.

Davvero magico, oltre che sicuramente inatteso, è questo recentissimo incontro fra le chitarre di Maurizio Brunod e Garrison Fewell. Anche perché quest’ultimo, maturato artisticamente nell’area di Philadelphia con massicce dosi di blues, è considerato un maestro, “uno dei chitarristi più originali dei nostri giorni“  secondo il Boston Phoenix.  Stimato insegnante al Berklee di Boston dal 1977, ha girato il mondo per oltre 30 anni ed ha scritto importanti testi sull’improvvisazione, collaborando con musicisti del calibro di Tal Farlow e Benny Golson, Herbie Hancock e George Cables, solo per fare qualche nome. Da ricordare almeno il riconoscimento ottenuto da «A blue deeper than the blue», inciso in quartetto con Fred Hersch, Cecil McBee, Matt Wilson, e votato come miglior disco jazz nei Boston Music Awards del 1993. Da una decina d’anni Fewell ha abbandonato il jazz di matrice boppistica per spingersi verso gli impervi sentieri della libera improvvisazione,  a fianco di musicisti dell’avanguardia come John Tchicai, Steve Swell, Roy Campbell Jr. e Ches Smith. L’incontro con il chitarrista piemontese, di cui sono stati artefici Luca D’Agostino e Luciano Rossetti, fotografi di Phocus Agency ma soprattutto grandi appassionati di jazz, ci regala un mirabile saggio di libera improvvisazione e di “interplay”, sviluppato in una sorta di suite lunga poco più di 40 minuti, suddivisa in sette brani, tutti composti insieme a Brunod con l’unica eccezione rappresentata dalla toccante Ayleristic, di Fewell, proposta sia in apertura che come chiosa finale, con una breve ma suggestiva traccia video. Improvvisazione intesa quasi sempre come composizione istantanea, e che l’intenso dialogo fra i due chitarristi, più vicini di quanto prima poteva apparire, riesce a mantenere in prezioso e delicato equilibro lungo tutte e sette i brani dell’album.

Maurizio Brunod (electric guitar, loop, live sampling, e–bow),
Garrison Fewell (electric and acoustic guitar, violin bow, slide, percussion, sticks, bells).

Ayleristic (G.Fewell); 2) Karnataka (G.Fewell/M.Brunod); 3) Mississippi moon
clouds (G.Fewell/M.Brunod); 4) Ascent –  for Ram Narayan (G.Fewell/M.Brunod);
5) Red air (G.Fewell/M.Brunod); 6) Unbroken circuit (G.Fewell/M.Brunod);
7) Ayleristic II (G.Fewell) – Mp4 video track by Lorenzo Scaldaferro.

Recorded and edited at Studio Pollaio, Ronco Biellese (Biella), by Pier Giorgio Miotto,
on 10th January and 6th February 2015; mixed and mastered at Artesuono Recording Studio,
Cavalicco (Udine), by Stefano Amerio, on 18th February 2015.
Produced by Luca A. D’Agostino and Luciano Rossetti (Phocus Agency).

A few months after the album release, we were hit by the painful news that, on July 5, 2015, Garrison Fewell had eventually lost his long and courageous battle against cancer, that he was diagnosed with in December 2013. He was born on October 14, 1953, in Charlottesville, Virginia, and he grew up in Philadelphia, Pennsylvania: this was perhaps his last official studio recording. Nevertheless, we didn’t want to change the album presentation notes, which are reported in full below.

Truly magical, as well as definitely unexpected, is this most recent meeting between the guitars of Maurizio Brunod and Garrison Fewell. Also because the latter, artistically matured in the Philadelphia area with massive doses of blues, is considered a master, “one of the most original guitarists of our time” according to the Boston Phoenix.
Estimated professor at Berklee College in Boston since 1977, he has traveled the world for over 30 years and has written important books on improvisation, collaborating with musicians such as Tal Farlow and Benny Golson, Herbie Hancock and George Cables, just to name a few.
We must remember at least the recognition achieved by «A blue deeper than the blue», recorded in a quartet with Fred Hersch, Cecil McBee, Matt Wilson, and voted the best jazz album at the Boston Music Awards in 1993. About ten years ago Fewell abandoned bop style jazz to explore the arduous paths of free improvisation, flanked by musicians of the avant–garde as John Tchicai, Steve Swell, Roy Campbell Jr. and Ches Smith.
The encounter with the Piedmontese guitarist, made possible by Luca D’Agostino and Luciano Rossetti, Phocus Agency ‘s photographers but mostly great jazz fans, provides us with a great example of free improvisation and interplay, developed into a kind of suite a little over 40 minutes, divided into seven tracks, all composed with Brunod with the only exception represented by the touching Ayleristic, by Fewell (2009), proposed both as opening and as final gloss, with a short but impressive video track. Improvisation which is almost everywhere intended as instant composition, and that the intense dialogue between the two guitarists, closer than they could appear before, manages to keep in a precious and delicate balance along all seven tunes of the album.

Francesca Bertazzo Hart (vocals), George Cables (piano),
Beppe Pilotto (double bass), Steve Williams (drums).

1) That old black magic (H.Arlen/J.Mercer); 2) Reflections (T.Monk/J.Hendricks),
3) If I were a bell (F.Loesser); 4) Day dream (B.Strayhorn/D.Ellington/J.Latouche);
5) If I had you (J.Campbell/R.Connelly/T.Shapiro); 7) Bebop (D.Gillespie);
8) My old flame (A:Johnston/S.Coslow); 9) Social call (G.Gryce/J.Hendricks);
10) I remember Clifford (B.Golson/J.Hendricks); 11) Medley: Half Nelson
(M.Davis), Lady bird (T.Dameron/S.Cornfield).

All arrangements by Francesca Bertazzo Hart.
Recorded at Teaneck  Sound Recording Studio, Teaneck (New Jerse), by
David Kowalski, on the 28th December 2013; mixed and mastered at Art
Music Studio, Bassano del Grappa (Vicenza), in April 2014, by Diego P8.

A tre anni da «The grace of Gryce» (Caligola 2160), album che aveva segnato il raggiungimento della sua piena maturità artistica, Francesca Bertazzo Hart, vocalist dotata di senso dello swing, naturale musicalità e sensibilità interpretativa fuori del comune, con questo «The Teaneck session» fuga davvero ogni dubbio, se mai qualcuno ne poteva avere. Lascia a casa la sua amata chitarra la cantante veneta quando, con Beppe Pilotto, suo compagno di musica e di vita, decide di volare a New York, perché lì, ad aspettarla, c’è un maestro del calibro di George Cables, il cui pianoforte basta ed avanza per accompagnarla. Di più, una cantante davvero non potrebbe desiderare. Lo si capisce subito, sin dal leggero e contagioso incedere ritmico di That old black magic, ma ancor di più, forse perché meno atteso, dal piglio sublime, capace di combinare morbidezza e profondità, con cui affronta le quattro ballad dell’album. La scelta è caduta su Reflections, Day dream, My old flame e I remember Clifford, testi sacri del jazz e per questo pieni di insidie, ma le cui interpretazioni consacrano invece Francesca a musicista di razza, in grado di piegare il suo rinomato virtuosismo vocale, con paziente studio e continua ricerca, ad architetture musicali di più ampio respiro. Un livello così elevato non poteva però esser raggiunto senza il sostegno di una coppia ritmica solida e puntuale com’è quella formata dal pulsante contrabbasso di Beppe Pilotto e dall’incalzante batteria di Steve Williams, a loro agio sia nelle dameroniane Lazy bird e If you could see me now, quest’ultima presa a tempo di bossa, che  nelle vorticose cascate di note della gillespiana Bebop.

Francesca Bertazzo Hart (vocals), George Cables (piano),
Beppe Pilotto (double bass), Steve Williams (drums).

1) That old black magic (H.Arlen/J.Mercer); 2) Reflections (T.Monk/J.Hendricks),
3) If I were a bell (F.Loesser); 4) Day dream (B.Strayhorn/D.Ellington/J.Latouche);
5) If I had you (J.Campbell/R.Connelly/T.Shapiro); 7) Bebop (D.Gillespie);
8) My old flame (A:Johnston/S.Coslow); 9) Social call (G.Gryce/J.Hendricks);
10) I remember Clifford (B.Golson/J.Hendricks); 11) Medley: Half Nelson
(M.Davis), Lady bird (T.Dameron/S.Cornfield).

All arrangements by Francesca Bertazzo Hart.
Recorded at Teaneck  Sound Recording Studio, Teaneck (New Jersey), by
David Kowalski, on the 28th December 2013; mixed and mastered at Art
Music Studio, Bassano del Grappa (Vicenza), in April 2014, by Diego P8.

Three years after «The grace of Gryce» (Caligola 2160), the album that marked the achievement of her full artistic maturity, Francesca Bertazzo Hart, vocalist with a sense of swing, natural musicality and an unusual interpretative sensibility, with this «The Teaneck session» dispels any doubt one could have. The Venetian singer leaves her guitar at home when, together with her partner in life and in music Beppe Pilotto, she decides to fly to New York, because there a master like George Cables, whose piano  is more than enough to accompany her, is waiting for her. A singer couldn’t really wish for something more than this. You can immediately tell it by the soft and catching rhythmic pace of That old black magic, but even more, perhaps because it is less expected, by the sublime tone combining softness and depth, with which she deals with the four ballads in the album. The choice fell on Reflections, Day dream, My old flame and I remember Clifford, sacred jazz pieces, therefore full of dangers, but whose interpretations instead devotes Francesca, purebred musician, able to bend her renowned vocal virtuosity with patient study and continuous research, to musical architectures on a more ambitious scale. Such a high level, however, could not be achieved without the support of a solid and precise rhythmic couple as that formed by Beppe Pilotto’s pulsating bass and Steve Williams’ insistent drums, at ease both in the Dameron’s Lazy bird and If you could see me now, the latter with a bossa rhythm, and in the swirling cascade of notes of  the Dizzy Gillespie’s Bebop.

CD 1. Massimo De Mattia (flutes), Luca Grizzo (vocals), Alessandro Turchet
(double bass), “The erotic variations”: 1) Variatio , 2) Variatio 2, 3) Variatio 3,
4) Variatio 4, 5) Variatio 5, 6) Variatio 6; M.D.M., Bruno Cesselli (piano),
Giovanni Maier (double bass), Zlatko Kaučič (drums), “Epigrams”:
7) Nothing in, nothing out, 8) A stale poem, 9) Worse than a paradox,
10) Cerca cibo, 11) Positive ferments in a single breath, 12) Infinite short lines,
13) Flowers’ pulp, 14) Sporatic escapes, 15) Nice spell, 16) Nice spell,
17) Rumble & tumble, 18) Although I cry, 19) Two–faced hyperbole;
Massimo De Mattia (flutes), “Cinque solitudini”: 20) Settimo cielo, 21) Lacerto,
22) Nolente, 23) Liturgia dell’ossimoro, 24) Possibili impossibili.

CD 2. Massimo De Mattia (flutes), Daniele D’Agaro (clarinets), “Lunar elegies”:
1) First elegy, 2) Second elegy, 3) Third elegy; M.D.M., Ermes Ghirardini
(drums, percussion), “The ceiling of the sky”: 4) First appearance, 5) Second
appearance, 6) Third appearance, 7) Epiphany; M.D.M., Denis Biason (guitars),
“Duel 2”: 8) Duel 29, 9) Duel 30, 10) Duel 31, 11) Duel 32, 12) Duel 33,
13) Duel 34; M.D.M., Luciano Caruso (soprano sax, bells), Luigi Vitale (vibes),
“Anémic musique”: 14) Introduction, 15) Première acte, 16) Deuxième acte,
17) Dernier acte; M.D.M., Mirko Cisilino (trumpet), Giorgio Pacorig
(Fender Rhodes), “Lysergic flowers”: 18) Home trip.

All tunes composed by all musicians of the different combos.

Recorded during 2014 at Cordenons (Pordenone), S.Biagio di Callalta (Treviso),
Prata di Pordenone, Udine, Camino al Tagliamento (Udine), Morsano al
Tagliamento (Pordenone), Tarzo (Treviso), Staranzano (Gorizia); mixed and
mastered by Bruno Cesselli at ImputLevel Studio, S.Biagio di Callalta (Treviso).

Superato ormai il quarto di secolo di attività, dopo non meno di quindici dischi da leader o co–protagonista, Massimo De Mattia sembra voler fare il punto con questo «Skin», secondo lavoro pubblicato per Caligola, sullo stato della sua ricerca musicale, mostrando tutte le diverse sfaccettature di un poliedrico ma sempre coerente linguaggio espressivo. Una fotografia che, per apparire abbastanza esauriente, ha avuto bisogno di un album doppio, il primo in carriera per il flautista friulano ma anche, in oltre vent’anni e 200 titoli, per la nostra etichetta.
Registrato nell’arco di sei mesi, in luoghi pubblici (ma senza spettatori) o nelle abitazioni dei musicisti, il disco é suddiviso in otto quadri, con formazioni che cambiano in ciascuna seduta di registrazione e che vanno dal solo al quartetto (ma il trio ed il duo sono le più frequentate). Lo affiancano in quest’avventura affascinante quanto impegnativa partner che gli sono abituali – e non poteva essere altrimenti – musicisti (e amici) dell’area triveneta che avevano già condiviso momenti importanti del suo percorso artistico. Il risultato ha prodotto oltre due ore di musica che – citiamo al proposito le belle note di copertina di un altro amico, Flavio Massarutto – “nella loro implacabile determinazione, affermano un pensiero totalmente aderente alla pratica dell’improvvisazione, o meglio della composizione istantanea, per fugare possibili fraintendimenti”.
I frutti di tanto lavoro vanno gustati con pazienza ed attenzione: gli otto movimenti di quella che appare come una sorta di unica lunga suite si possono ascoltare anche separatamente, in momenti diversi, anzi, in alcuni casi, risulta quasi indispensabile ritornarvi per apprezzarne le sottili sfumature e quell’autenticità che consente a De Mattia di mettersi davvero a nudo, senza utilizzare facili scorciatoie né, anche nei passaggi più difficili, reti di sicurezza. Il suo girovagare, alla ricerca di un incontro artistico che possa diventare anche proficuo dialogo creativo, fra le colline del Veneto Orientale ed i borghi del Friuli centrale, lungo le sponde del Tagliamento ed in quell’Isontino dove “l’Italia trascolora nella Mitteleuropa”, viene accompagnato nel booklet dal bellissimo racconto fotografico di un viaggio compiuto nel 2012 dall’amico Luca D’Agostino in India, fotografie apparentemente fuori tema, che confermano quanto le distanze temporali e spaziali appaiono spesso enormi, insuperabili, soltanto al nostro pensiero, non così invece all’anima.

CD 1. Massimo De Mattia (flutes), Luca Grizzo (vocals), Alessandro Turchet
(double bass), “The erotic variations”: 1) Variatio , 2) Variatio 2, 3) Variatio 3,
4) Variatio 4, 5) Variatio 5, 6) Variatio 6; M.D.M., Bruno Cesselli (piano),
Giovanni Maier (double bass), Zlatko Kaučič (drums), “Epigrams”:
7) Nothing in, nothing out, 8) A stale poem, 9) Worse than a paradox,
10) Cerca cibo, 11) Positive ferments in a single breath, 12) Infinite short lines,
13) Flowers’ pulp, 14) Sporatic escapes, 15) Nice spell, 16) Nice spell,
17) Rumble & tumble, 18) Although I cry, 19) Two–faced hyperbole;
Massimo De Mattia (flutes), “Cinque solitudini”: 20) Settimo cielo, 21) Lacerto,
22) Nolente, 23) Liturgia dell’ossimoro, 24) Possibili impossibili.

CD 2. Massimo De Mattia (flutes), Daniele D’Agaro (clarinets), “Lunar elegies”:
1) First elegy, 2) Second elegy, 3) Third elegy; M.D.M., Ermes Ghirardini
(drums, percussion), “The ceiling of the sky”: 4) First appearance, 5) Second
appearance, 6) Third appearance, 7) Epiphany; M.D.M., Denis Biason (guitars),
“Duel 2”: 8) Duel 29, 9) Duel 30, 10) Duel 31, 11) Duel 32, 12) Duel 33,
13) Duel 34; M.D.M., Luciano Caruso (soprano sax, bells), Luigi Vitale (vibes),
“Anémic musique”: 14) Introduction, 15) Première acte, 16) Deuxième acte,
17) Dernier acte; M.D.M., Mirko Cisilino (trumpet), Giorgio Pacorig
(Fender Rhodes), “Lysergic flowers”: 18) Home trip.

All tunes composed by all musicians of the different combos.

Recorded during 2014 at Cordenons (Pordenone), S.Biagio di Callalta (Treviso),
Prata di Pordenone, Udine, Camino al Tagliamento (Udine),  Morsano al
Tagliamento (Pordenone), Tarzo (Treviso), Staranzano (Gorizia); mixed and
mastered by Bruno Cesselli at ImputLevel Studio, S.Biagio di Callalta (Treviso).

After almost 25 years of activity and at least 15 albums as leader or as co–leader, Massimo De Mattia seems to want to take stock of the state of his musical research with «Skin», second album published by Caligola Records, showing all the different angles of a multifaceted but always coherent expressive language. A picture that, in order to appear quite comprehensive, needed a double compact–disc, the first in the career for the Friulian flutist but also for our label, in over twenty years and 200 titles.
Recorded in six months, in public spaces (but without an audience) or in the musicians’ homes, the album is divided into eight frames, with groups that change in each recording session, ranging from solo to quartet (but the trio and the duo are the most utilized). In this fascinating and challenging adventure, De Mattia is assisted by partners who are in confidence with him – and could not be otherwise – musicians (and friends) from the Triveneto area, with whom had already shared important moments in his artistic career. All this results in over two hours of music that – we mention in this regard the fine liner notes of another friend, Flavio Massarutto – “are stating, in their relentless determination, a thought which is totally adherent to the practice of the improvisation or rather the instant composition, to dispel possible misunderstandings“.
The results of such hard work should be enjoyed with patience and attention: the eight movements in what looks like a sort of one long suite can be listened to separately, in different moments; in fact, in some cases, returning on them becomes almost indispensable, in order to appreciate the subtle shades and the authenticity that allows Massimo De Mattia to really expose himself, without using easy shortcuts or safety nets, even in the most difficult passages. His wandering between the hills of Eastern Veneto and Friulian villages, along the banks of the Tagliamento river and in the Isonzo region, where “Italy fades in Central Europe”, in search of an artistic meeting that can become a fruitful creative dialogue, is accompanied in the booklet by a beautiful photographic tale of a journey in India, made in 2012 by his friend Luca D’Agostino. The photos could seem apparently off the subject, but they confirm that the distances in time and space are often huge and insurmountable only to our thinking, not so instead to our soul.

Marco Castelli (tenor and soprano sax), Alfonso Santimone (piano),
Edu Hebling (double bass), Mauro Beggio (drums),
Andrea Ruggeri (percussion and drums).

1) Zanzibar; 2) New Orleans medley: a) Creepy feeling (Jelly Roll Morton),
b) Jockey full of bourbon (Tom Waits); 3) Scorribanda;
4) Alfonsina y el mar (Ariel Ramirez); 5) Dakar;
6) Xela; 7) El Ciego (Armando Manzanero);
8) Mercè dilette Amiche – I Vespri Siciliani (Giuseppe Verdi).

All tunes, except where indicated, composed by Marco Castelli.

 Recorded, mixed and mastered in 2014, at Urban Recording
Studio, Trieste, by Fulvio Zafret.

Con una quindicina di album a suo nome, affiancati da molte importanti collaborazioni, Marco Castelli, classe 1960, s’è ormai ritagliato un posto da protagonista nel variegato panorama del jazz italiano, oltre che rimanere uno dei jazzisti di riferimento dell’area triveneta. Dal debutto come leader con «Passat» (1993), per la Splasc(h), a quest’ultima avvincente fatica, primo disco per Caligola, sono state di fatto quattro le formazioni in cui il poliedrico sassofonista veneziano ha dato voce alle sue diverse anime musicali: il quartetto acustico con Paolo Birro, il gruppo elettrico DMA (Urban Jazz Funk), la Bandorkestra.55, non una vera e propria big–band, ed un “sax solo” condito da molta elettronica, utilizzato soprattutto per accompagnare spettacoli di danza. Conclusasi prima la parabola del quartetto, poi quella del DMA – da cui provengono sia Santimone che Hebling – Castelli sembra aver trovato con questo nuovo progetto la quadratura del cerchio, mettendo le sue molteplici esperienze, davvero internazionali (ha suonato in almeno 40 diversi paesi del mondo), al servizio di un linguaggio lucido e personale, in cui è difficile trovare oggi precisi riferimenti. Sono in particolare l’Africa e l’America Latina ad aver lasciato un segno profondo nella sua poetica espressiva. Risultano eloquenti al proposito sia i titoli dei brani originali (Dakar, Zanzibar e Xela), che i due standard prescelti, le note e suggestive melodie dell’argentino Ariel Ramirez, Alfonsina y el Mar, e del messicano Armando Manzanero, El Ciego (già usata da Charlie Haden in duo con Gonzalo Rubalcaba), eseguite entrambe al sax tenore. Dall’ultimo album della Bandorkestra.55 proviene invece l’incalzante Scorribanda, mentre la medley dedicata ad un altro “porto” importante per il jazz, New Orleans, stabilisce un ponte fra lo “spanish tinge” di Jelly Roll Morton e le scure melodie di Tom Waits. Per la chiusura  del disco è stato scelto un omaggio a Giuseppe Verdi (il 2013 è stato l’anno del bicentenario), patrimonio ed orgoglio nazionale che Castelli ha avuto più volte modo di rileggere in chiave jazzistica, di cui riesce ad addolcire con il sax soprano (qui presente in cinque degli otto brani) la celebre aria Mercè dilette amiche, tratta da «I Vespri Siciliani».

Marco Castelli (tenor and soprano sax), Alfonso Santimone (piano),
Edu Hebling (double bass), Mauro Beggio (drums),
Andrea Ruggeri (percussion and drums).

1) Zanzibar; 2) New Orleans medley: a) Creepy feeling (Jelly Roll Morton),
b) Jockey full of bourbon (Tom Waits); 3) Scorribanda;
4) Alfonsina y el mar (Ariel Ramirez); 5) Dakar;
6) Xela; 7) El Ciego (Armando Manzanero);
8) Mercè dilette amiche – I Vespri Siciliani (Giuseppe Verdi).

All tunes, except where indicated, composed by Marco Castelli.

Recorded, mixed and mastered in 2014, at Urban Recording
Studio, Trieste, by Fulvio Zafret.

After something like 15 albums as a leader, along with many important collaborations, Marco Castelli, born in 1960, has by now carved out a place of honor for himself in the varied Italian jazz scene, as well as remaining one of the reference jazzman in the Triveneto area. From his debut, «Passat» (1993), to this latter compelling work, first album for Caligola Records, there have actually been four lineups in which the versatile Venetian saxophonist gave voice to his different musical sides: the quartet with Paolo Birro, the electric band DMA,  Bandorkestra.55, not a traditional big–band, and a sax–solo seasoned with a lot of electronics, used to accompany dance shows. After the conclusion of the first parable with the quartet, followed by the one with DMA – from which come both Hebling and Santimone – Castelli seems to have found in this new project the squaring of the circle, putting his multiple, very international experiences (he played in at least 40 different countries) in the service of a personal and lucid language, in which is hard to find precise references today. Africa and Latin America, above all, have left a profound mark on his poetics. In this regard are relevant both the titles of the original songs (Dakar, Zanzibar and Xela), and the two standards chosen, the notes and evocative melodies of the Argentinean Ariel Ramirez, Alfonsina y el Mar, and of the Mexican Armando Manzanero, El Ciego (already used by Haden in duo with Rubalcaba), both executed on tenor sax. The persistent Scorribanda comes from the last album of Bandorkestra.55, while the medley, dedicated to another main “port” of jazz, New Orleans, establishes a bridge between Jelly Roll Morton’s “spanish tinge” and the dark melodies of Tom Waits. The closing is an unexpected tribute to Giuseppe Verdi, national heritage and pride that Castelli had numerous occasions to reread in a jazz key; he manages to sweeten with soprano (present in five of the eight songs) one of Verdi’s famous arias from “I Vespri Siciliani“.

Nicola Dal Bo (Hammond A-100 organ, Fender Rhodes, piano),
Nevio Zaninotto (tenor and soprano sax), Luca Colussi (drums).

1) IFD; 2) Blues organizer; 3) What is this?; 4) Adagio – Sonata Op. 10 N° 1
(L.van Beethoven); 5) Bad vibes; 6) R.A.M. – Random Abstract Memories (N.Zaninotto);
7) 2–3–7; 8) Secret love (M.Parish/B.Sherwood); 9) Finally.

All tunes, except where indicated, composed by Nicola Dal Bo.

 Recorded, mixed and mastered in November 2013, at Imputlevel Studio,
San Biagio di Callalta (Treviso), by Claudio Zambenedetti.

A tre anni dal suo primo album («Trio.org»), il veneziano Nicola Dal Bo ci fa intuire un possibile diverso sviluppo per l’ormai canonica formazione dell’organ trio, sostituendo la più convenzionale chitarra con il sassofono, che offre forse prospettive più originali e meno prevedibili alla musica solitamente proposta da questo tipo di organico. A suonarlo è Nevio Zaninotto, strumentista molto maturato in questi ultimi anni, che conferma la fertilità jazzistica della regione da cui proviene, il Friuli, patria anche del magnifico Luca Colussi, oggi forse il batterista più duttile e richiesto dell’area triveneta. Le interessanti prospettive aperte dall’utilizzo del sax, soprattutto tenore nel nostro caso, unitamente all’approccio “leggero” ed allo stesso tempo incisivo di Dal Bo, diverso da quello della maggior parte degli specialisti dell’Hammond in circolazione – dovuto forse al non aver mai abbandonato il pianoforte, che qui utilizza, com’era già successo nel primo disco, per un breve “solo” conclusivo (Finally) –, consentono per esempio al trio di fornire una versione sorprendentemente raffinata dell’adagio di una celebre sonata beethoveniana, quasi una ballad jazzistica, ma anche di realizzare un semplice quanto efficace arrangiamento della frequentatissima Secret love, ideale trampolino di lancio per l’impetuoso ma sempre lucido sax tenore di Zaninotto. Fra i brani del leader meritano di venire ricordati almeno l’efficace ipnotico riff iniziale di IFD, l’originale rielaborazione in stile monkiano di What is this thing called love? – uno degli standard più utilizzati per i loro mascheramenti dai bopppers – che qui diventa, molto più semplicemente, What is this?, così come l’armonicamente più complesso ed articolato tema che dà il titolo al disco, Bad vibes. Torniamo quindi in pieno clima organ trio con R.A.M., grazie ad una melodia dal forte sapore bluesy, facile da memorizzare, unico brano firmato da Zaninotto, che nella ballad successiva, 2–3–7, altra composizione del leader, dimostra di sapersela cavare benissimo anche al sax soprano.

Nicola Dal Bo (Hammond A-100 organ, Fender Rhodes, piano),
Nevio Zaninotto (tenor and soprano sax), Luca Colussi (drums).

1) IFD; 2) Blues organizer; 3) What is this?; 4) Adagio – Sonata Op. 10 N° 1
(L.van Beethoven); 5) Bad vibes; 6) R.A.M. – Random Abstract Memories
(N.Zaninotto); 7) 2–3–7; 8) Secret love (M.Parish/B.Sherwood); 9) Finally.

All tunes, except where indicated, composed by Nicola Dal Bo.

Recorded, mixed and mastered in November 2013, at Imputlevel Studio,
San Biagio di Callalta (Treviso), by Claudio Zambenedetti.

Three years after his first album («Trio.org»), the Venetian Nicola Dal Bo gives us an insight into a different possible development for the almost canonical lineup of the Organ Trio, replacing the more conventional guitar with saxophone, which provides a perhaps more original and less predictable perspective to the music usually offered by this type of band. The saxes are played by Nevio Zaninotto, a musician which has grown a lot in the recent years, confirming the fertility of jazz in his region, Friuli Venezia Giulia, also home of the magnificent Luca Colussi, perhaps the most versatile and requested drummer today in the area. The interesting perspectives opened by the use of the sax, especially tenor in this case, together with Dal Bo’s light and at the same time incisive approach, different from that of most Hammond specialists around – perhaps due to the fact that he never abandoned the piano, which he uses here, as in the first album, for a short final “solo” (Finally) – allow the trio to provide, for example, a surprisingly refined version of the adagio of a famous Beethoven sonata, almost a jazz ballad, but also to create a simple yet effective arrangement of the very popular Secret love, ideal springboard for Zaninotto’s impetuous but always lucid tenor sax. Among the leader’s tracks, those which deserve to be remembered are, at least, the effective and hypnotic initial riff in IFD, the original rework in Monkian style of What is this thing called love? – one of the most used standards in the boppers’ contrafacts – which here becomes, more simply, What is this? – as well as the more harmonically complex and articulated theme that provides the title track, Bad vibes. We then go back to a full Organ Trio atmosphere with R.A.M., thanks to a blues flavored melody, easy to memorize, the only piece composed by Zaninotto, that in the following ballad, 2–3–7, another composition by the leader, proves that he can also master the soprano sax.

Chris Cheek (tenor and soprano sax), Marcello Tonolo (piano, arrangements),
Marco Privato (double bass), Jimmy Weinstein (drums). Guests: Pasquale Paterra
and Antonello Del Sordo (trumpets), Federico Pierantoni (trombone),
Mattia Dalla Pozza (alto sax), added on tunes n. 2/4/6/8.

Leo, Lion y Leon; 2) L’albero; 3) Walk Away; 4) When lights are low (B.Carter/S.Willians); 5) Evening star;
6) Lazy afternoon (J.Moross/J.Latouche); 7) Crazeology (B.Harris); 8) Borderline; 9) Margherita (J.Weinstein).

All tunes, except where indicated, composed by Marcello Tonolo.

Recorded and mixed in October 2013, mastered and edited in July 2014,
by Mario Marcassa and Emanuele Chiericato, at Cat Sound Studio, Badia Polesine (Rovigo).

Dopo due album di standard, peraltro eccellenti, incisi alla testa di quello che è ormai il suo trio stabile, Marcello Tonolo torna a dar respiro alla sua musica mettendo in rilievo quelle che sono due fra le sue maggiori qualità: il raffinato gusto compositivo e il sapiente utilizzo dell’arrangiamento. Rimane, in continuità con le due precedenti incisioni, il punto fermo ormai rappresentato dalla collaudata e solida coppia ritmica formata da Marco Privato e Jimmy Weinstein, ma c’è in più, questa volta, una voce strumentale importante e originale della scena jazzistica newyorkese, quella del sassofonista Chris Cheek, vero e proprio valore aggiunto del progetto, cui conferisce un importante contributo di idee e pathos, non solo di tecnica e professionalità, peraltro scontate. Rende ancora più pregevole un lavoro già di per sé pregnante la decisione di aggiungere, in quattro dei nove brani, un quartetto di fiati, tutti giovani di notevole talento e sicuro avvenire. In queste tracce il gruppo diventa quindi un ottetto, che ha già per Tonolo il sapore gradito dell’orchestra, formazione che gli è sempre stata congeniale, come dimostrano i tenaci sforzi fatti per tener in vita, fino a che è stato possibile, prima la Keptorchestra, poi la Thelonious Monk Big Band. Particolarmente riusciti, nella fattispecie, gli arrangiamenti di sue composizioni come L’albero – che è, fra l’altro, l’unico brano in cui Cheek suona il soprano – e l’evocativa Borderline, ma anche di uno standard poco frequentato del jazz come When lights are low, di Benny Carter. Il quartetto da parte sua corre a briglie sciolte, riuscendo a superarsi in brani come il brioso Evening star, sempre a firma del leader, l’intensa e breve ballad conclusiva di Jimmy Weinstein, Margherita, e la personale quanto avvincente rilettura di Crazeology, non a caso scelta anche come titolo del disco.

Chris Cheek (tenor and soprano sax), Marcello Tonolo (piano, arrangements),
Marco Privato (double bass), Jimmy Weinstein (drums). Guests: Pasquale Paterra
and Antonello Del Sordo (trumpets), Federico Pierantoni (trombone),
Mattia Dalla Pozza (alto sax), added on tunes n. 2/4/6/8

1) Leo, Lion y Leon; 2) L’albero; 3) Walk Away; 4) When lights are low (B.Carter/
S.Willians); 5) Evening star; 6) Lazy afternoon (J.Moross/J.Latouche);
7) Crazeology (B.Harris); 8) Borderline; 9) Margherita (J.Weinstein).

All tunes, except where indicated, composed by Marcello Tonolo.

Recorded and mixed in October 2013, mastered and edited in July 2014, by Mario
Marcassa and Emanuele Chiericato, at Cat Sound Studio, Badia Polesine (Rovigo).

After two, among other things excellent, albums of standards recorded at the head of what is now his permanent trio, Marcello Tonolo returns to give breath to his music, emphasizing two of his main qualities: a refined compositional taste and a wise use of arrangements. The core, formed by the proven and solid rhythm section of Marco Privato and Jimmy Weinstein, remains, in continuity with the two previous recordings, but there is more this time: an important and original instrumental voice from the New York jazz scene, that of saxophonist Chris Cheek, real added value of the project, which gives an important contribution of ideas and pathos, besides the already taken for granted technical and professional skills. The decision to add a wind quartet formed by young people, of great talent and secure future, in four of the nine tracks, makes this already weighty work even more valuable. In these tracks the group becomes an octet, which, according to Tonolo, already has the pleasant taste of an orchestra, a team that has always been congenial to him, as attested by the tenacious efforts made to keep alive until possible the Keptorchestra first, and the Thelonious Monk Big Band after. Particularly successful are the arrangements of his own compositions like L’albero – among other things, the only song in which Cheek plays the soprano – and the evocative Borderline, but also of a little known jazz standard as When lights are low, by Benny Carter. The Quartet, for its part, runs unbridled, managing to outdo itself in songs like the spirited Evening star, also signed by the leader, the intense final short ballad, Margherita, composed by Jimmy Weinstein, and the personal, compelling reinterpretation of Crazeology, not surprisingly chosen also as the title of the album.

Domenico Caliri (conduction, electric guitar), Mirco Rubegni (trumpet, french horn)
Christian Thoma (oboe, english horn), Piero Bittolo Bon (alto sax, alto clarinet, flute),
Guido Bombardieri (alto sax, Bb clarinet, flute), Francesco Bigoni (tenor sax, Bb clarinet),
Beppe Scardino (baritone sax, bass clarinet), Glauco Benedetti (tuba),
Paquale Mirra (vibraphone, xylophone), Fabio Costantini (electric guitar),
Alfonso Santimone (piano, Korg ms–10), Francesco Guerri (cello),
Federico Marchesano (electric bass, double bass), Federico Scettri (drums).

 Baccanale – Quadro I; 2) Baccanale – Quadro II;  3) Baccanale – Quadro III;
4) Baccanale – Quadro IV; 5) H song; 6) Mouse; 7) Oswiecim (K song);
8) Initinere (4 danze storte); 9) Baccanale – Quadro V.

All tunes composed and arranged by Domenico Caliri.

Recorded on 19/20/21 December 2012 at Artesuono Recording Studio, Cavalicco (Udine),
by Stefano Amerio; mixed and mastered on 26/27 March, 10 April 2013 at Jambona
Lab Recording Studio, Cascina (Pisa), by Antonio Castiello.

Per Domenico Caliri un disco è qualcosa di più di una session particolarmente riuscita; rappresenta il risultato di un lavoro minuzioso e profondo, lungo se necessario. Non è un caso che siano passati 5 anni dal suo precedente album da leader, pubblicato sempre dalla nostra etichetta, «Il buio acceso». Quella del chitarrista siciliano è una concezione musicale a 360 gradi, in cui accanto all’improvvisazione jazzistica trovano spazio sia la composizione che l’arrangiamento, e nulla viene affidato al caso. Ciò risulta tanto più evidente in questo riuscito e sorprendente «Camera lirica», registrato alla testa di un ensemble non convenzionale, formato con lui da 14 musicisti, più o meno affermati, tutti sempre all’altezza della situazione. Composizioni suggestive e complesse allo stesso tempo, in cui lo sberleffo si alterna con naturalezza all’introspezione. C’è tanto jazz ma anche molta tradizione colta europea, e ciascuno dei 9 titoli del Cd (5 di questi sono parti di un’unica suite, Baccanale), densi e coinvolgenti, ha diversi motivi d’interesse. La musica di Caliri, senza ignorare Igor Stravinskij, Carla Bley, Kurt Weill e Frank Zappa, riesce a rimanere sempre inequivocabilmente se stessa. Il rilevante impegno profuso nella scrittura e nella conduzione gli hanno consigliato di farsi aiutare dalla chitarra di Fabio Costantini in 5 dei 9 nove brani del disco: una “splendida foresta di suoni” (citazione dalle belle e sentite note di copertina di Enrico Rava) che, ne siamo certi, lascerà il segno, non solo in Italia.

Domenico Caliri (conduction, electric guitar), Mirco Rubegni (trumpet, french horn)
Christian Thoma (oboe, english horn), Piero Bittolo Bon (alto sax, alto clarinet, flute),
Guido Bombardieri (alto sax, Bb clarinet, flute), Francesco Bigoni (tenor sax, Bb clarinet),
Beppe Scardino (baritone sax, bass clarinet), Glauco Benedetti (tuba),
Paquale Mirra (vibraphone, xylophone), Fabio Costantini (electric guitar),
Alfonso Santimone (piano, Korg ms–10), Francesco Guerri (cello),
Federico Marchesano (electric bass, double bass), Federico Scettri (drums).

1) Baccanale – Quadro I; 2) Baccanale – Quadro II; 3) Baccanale – Quadro III;
4) Baccanale – Quadro IV; 5) H song; 6) Mouse; 7) Oswiecim (K song);
8) Initinere (4 danze storte); 9) Baccanale – Quadro V.

All tunes composed and arranged by Domenico Caliri.

Recorded on 19/20/21 December 2012 at Artesuono Recording Studio,
Cavalicco (Udine), by Stefano Amerio; mixed and mastered on 26/27 March,
10 April 2013 at Jambona Lab Recording Studio,
Cascina (Pisa), by Antonio Castiello.

To Domenico Caliri, a record means something more than a particularly successful session; it is the result of a meticulous and thorough work, even lengthy if necessary. It is no coincidence that five years have passed since his previous albums as a leader, also published by our label, «Il buio acceso». That of Sicilian guitarist is a 360 degrees musical concept, where next to jazz improvisation there is a place for both composition and arrangement, and nothing is left to chance. This is even more evident in this successful and surprising «Camera lirica», recorded at the head of an unconventional ensemble formed by him and other 14 more or less known musicians, all of them always rose to the occasion. Compositions that are striking and complex at the same time, where the mockery alternates naturally with introspection. There is so much jazz but also a lot of European classical tradition, and each of the nine titles of the Cd (five of these are parts of a single suite, Baccanale), dense and engaging, has several reasons of interest. Caliri’s music manages to always remain unmistakably itself, without ignoring Igor Stravinsky, Carla Bley, Kurt Weill and Frank Zappa. The relevant commitment required by writing and leading suggested him to find help in the guitar of Fabio Costantini for five of nine songs on the album: a “beautiful forest of sounds” (quote from the beautiful and heartfelt notes by Enrico Rava) that, we are sure, will leave its mark, not only in Italy.

Claudio Cojaniz (piano).

 1) In a mist (B.Beiderbecke); 2) ‘Round midnight (T.Monk);
3) Goodbye pork pie hat (C.Mingus); 4) Ugly beauty (T.Monk);
5) I remember Clifford (B.Golson); 6) Theme for Ernie (F.Lacey);
7) When I fall in love (V.Young); 8) Crepuscole with Nellie (T.Monk);
9) Malaika (traditional); 10) Erika (C.Cojaniz).

 Recorded at Lorenzo Cerneaz’ Laboratory, Attimis (Udine), in November 2013,
by Andrea Tavian; mixed and mastered at Blue Train’s Recording Studio,
Mira (Venezia), in December 2013, by Antonio Morgante.

Ottavo lavoro del pianista friulano per Caligola, «Stride Vol. 1»  segna anche il ritorno all’amata formula del piano–solo, sette anni dopo «Intermission riff» (altrettanti ne erano passati fra questo ed il precedente «Blue Demon», pubblicato da Splasch). Il “Vol. 1” che completa il titolo del disco sembra però suggerirci che non bisognerà aspettarne altrettanti per la sua prossima prova in solitudine. Insolitamente riflessivo, per certi versi introverso, il nuovo album di Claudio Cojaniz stupirà anche i suoi più fedeli estimatori. Sorprenderà sia per il già citato clima generale, sia per la sempre minore presenza di brani monkiani che per l’inconsueta scelta del repertorio. Se il piano–solo del 2000 era interamente dedicato a Monk, nel successivo album Caligola sono di Sphere solo cinque dei dodici titoli scelti, mentre in «Stride Vol. 1» le sue composizioni si riducono addirittura a tre. All’amata Crepuscole with Nellie si aggiungono la meno nota Ugly beauty e l’ennesima ripresa di ‘Round Midnight (si rivela interessante il confronto fra questa interpretazione, più intima e crepuscolare, e quella presente in «Intermission riff»). Sorprendente è soprattutto il brano scelto per l’apertura, In a mist, capolavoro di Bix Beiderbecke pressoché dimenticato dai pianisti moderni, a cui questa versione di Cojaniz restituirà certamente attenzione. Se il brano di Bix è un inevitabile richiamo allo “stride” del titolo, non possono sorprendere né Malaika, ennesimo atto d’amore verso l’Africa, né l’originale interpretazione in chiave blues di Goodbye pork pie hat. Colpiscono di più invece una rilassata rivisitazione di I remember Clifford, la riscoperta del poco eseguito Theme for Ernie ma soprattutto una struggente When I fall in love, questa sì davvero sorprendente. L’arrivederci, quanto mai dolce, ci viene dato dall’unica sua composizione, Erika. Si chiude così, nel migliore dei modi, un disco che conferma Claudio Cojaniz pianista di punta del panorama  jazzistico europeo.

Claudio Cojaniz (piano).

1) In a mist (B.Beiderbecke); 2) ‘Round midnight (T.Monk);
3) Goodbye pork pie hat (C.Mingus); 4) Ugly beauty (T.Monk);
5) I remember Clifford (B.Golson); 6) Theme for Ernie (F.Lacey);
7) When I fall in love (V.Young); 8) Crepuscole with Nellie (T.Monk);
9) Malaika (traditional); 10) Erika (C.Cojaniz).

Recorded at Lorenzo Cerneaz’ Laboratory, Attimis (Udine), in November 2013,
by Andrea Tavian; mixed and mastered at Blue Train’s Recording Studio,
Mira (Venezia), in December 2013, by Antonio Morgante.

Eighth Cd for Caligola by the Friulian pianist, «Stride Vol. 1» also marks the return to the beloved piano–solo, seven years after «Intermission riff» (just as many had passed between this work and the previous «Blue Demon», published by Splasch). The “Vol. 1″ which completes the album title seems to suggest that we will not have to wait just as many years for his next solo record. Unusually thoughtful, somewhat introverted, the new album by Claudio Cojaniz will astonish even his most faithful supporters. It will surprise for the already mentioned general atmosphere, for the decreasing presence of Monk’s tunes and for the unusual choice of the repertoire. While the first piano–solo of 2000 was entirely devoted to Monk, in the following Caligola album only five of the twelve chosen themes are Sphere’s, while in «Stride Vol. 1» his compositions are reduced to three. To the beloved Crepuscole with Nellie are added the less known Ugly beauty and yet another take of ‘Round midnight (the comparison becomes interesting between this interpretation, more intimate and faint, and the one in «Intermission riff»). Surprisingly the tune chosen for the opening is In a mist, a masterpiece by Bix Beiderbecke almost forgotten by modern pianists, to which this version by Cojaniz will certainly bring back some attention. If Bix’s composition is an inevitable reminder of the “stride” in the title, nor Malaika, yet another act of love towards Africa, or the original interpretation of Goodbye pork pie hat in a blues key, can be surprising. Instead, what strikes us the most are the relaxed reinterpretation of I remember Clifford, the rediscovery of the rarely performed Theme for Ernie, but especially a poignant When I fall in love, this one surprising for real. The farewell, sweet as ever, is given us by his only original composition, Erika. Thus ends, in the best way, an album that confirms Claudio Cojaniz as a leading pianist in the European jazz scene.

Gileno Santana (trumpet), Miguel Moreira (electric guitar),
Joaquim Rodrigues (keyboards), José Carlos Barbosa (electric bass),
Mario Costa (drums). Special guests: Pedro Vidal (vocals) on track n. 3,
Andrés Tarabbia (percussion) on tracks n. 1/2/4/5/9/11.

 Introduction; 2) Shadow of power;  3) Metamorphosis;
4) I’m not Miles – Tarabbia; 5) Metamorphosis part I;
6) Metamorphosis part II; 7) Breath of life; 8) R136a1; 9) The road is long;
10) Metamorphosis part III; 11) Metamorphosis part IV.

 All tunes composed by Gileno Santana.

Recorded and mixed on April 29 and July 3, 2012, at HappyRoad Studios,
Porto, by Pedro Vidal; mastered and edited in March 2014 by Mario Barreiros.

Pochi appassionati conoscono Gileno Santana, giovane talentuoso trombettista brasiliano nato il 5 maggio 1988 a Salvador da Bahia e dal 2005 stabilitosi in Portogallo. Qualcuno l’ha però già apprezzato all’interno di poLO, quartetto guidato da Andrea Lombardini e Paolo Porta («Pleasures», Auand Records). Dal 2003 Santana si è trasferito a Fortaleza, decidendo, dopo appena due anni, di proseguire i suoi studi musicali in Portogallo, dove ha studiato con João Moreira, diplomandosi al Conservatorio di Lisbona. E’ diventato prima tromba della Matosinhos Jazz Orchestra, grazie a cui ha avuto occasione di lavorare con Kurt Rosenwinkel e Maria Schneider, e di incidere con Maria Joao. Alla fine del 2011 ha pubblicato il suo disco album da leader, «Inicio», in quartetto, con ospite Hamilton De Holanda. Santana vive oggi a Porto, dove anche insegna. A tre anni dall’album del debutto, sembra sia finalmente giunto il tempo per lui di raccogliere i frutti di quanto seminato, e questo «Metamorphosis», registrato nel 2012 ma ripreso, editato, mixato e masterizzato nel marzo 2014, non passerà certamente inosservato. In quella che si presenta come una sorta di unica lunga suite, trovano spazio l’improvvisazione, a tratti molto libera, un sapiente uso dell’elettronica, richiami all’ultimo Miles Davis (Shadow of power e I’m not Miles–Tarabbia su tutti), ma soprattutto una freschezza ed una spontaneità capaci di mettere in secondo piano il suo pur celebrato virtuosismo. Danno un prezioso contributo alla riuscita del lavoro, oltre che la sapiente chitarra di Miguel Moreira, i fedelissimi Joaquim Rodrigues, Josè Carlos Barbosa e Mario Costa, presenti anche in «Inicio», ma qui riconvertiti di buon grado al nuovo sound elettrico del leader.

Gileno Santana (trumpet), Miguel Moreira (electric guitar),
Joaquim Rodrigues (keyboards), José Carlos Barbosa (electric bass),
Mario Costa (drums). Special guests: Pedro Vidal (vocals) on track n. 3,
Andrés Tarabbia (percussion) on tracks n. 1/2/4/5/9/11.

1)Introduction; 2) Shadow of power; 3) Metamorphosis;
4) I’m not Miles – Tarabbia; 5) Metamorphosis part I;
6) Metamorphosis part II; 7) Breath of life; 8) R136a1; 9) The road is long;
10) Metamorphosis part III; 11) Metamorphosis part IV.

All tunes composed by Gileno Santana.

Recorded and mixed on April 29 and July 3, 2012, at HappyRoad Studios,
Porto, by Pedro Vidal; mastered and edited in March 2014 by Mario Barreiros.

Few jazz fans know Gileno Santana, a young talented Brazilian trumpeter born on May 5, 1987 in Salvador de Bahia and settled in Portugal from 2005. Someone, however, already appreciated him in poLO, a quartet led by Andrea Lombardini and Paolo Porta («Pleasures», Auand Records). In 2003 Santana moved to Fortaleza, deciding, after just two years, to continue his musical studies in Portugal, where he studied with João Moreira and graduated from the Conservatory of Lisbon. He became first trumpet in Matosinhos Jazz Orchestra, thanks to which he had the opportunity to work with Kurt Rosenwinkel and Maria Schneider, and to record with Maria Joao. At the end of 2011 he released his first album as a leader, «Inicio», in quartet, with Hamilton De Holanda as a guest. Santana now lives in Porto, where he also teaches. Three years after the debut album, the time has come for him to finally reap the benefits of his work, and this «Metamorphosis», recorded in 2012 but resumed, edited, mixed and mastered in March 2014, will not go unnoticed. In what looks like a kind of long one suite, there is room for improvisation, sometimes very free, for a clever use of electronics, for references to the last Miles Davis (especially Shadow of power and I’m not Miles–Tarabbia), but also for a freshness and spontaneity that can overshadow even his praised virtuosity. A precious contribution to the success of this work is given by, besides the skillful guitar of Miguel Moreira, the devotees Joaquim Rodrigues, José Carlos Barbosa & Mario Costa, also present in «Inicio», but here willingly converted to the new electric sound of the leader.

Silvia Infascelli (vocals), Frank Harrison (piano, keyboards on track n. 10),
Yuri Goloubev (double bass), Asaf Sirkis (drums).

 1) Come pioggia; 2) Primavera;  3) Blue (Joni Mitchell); 4) Amore;
5) Throw it away (Abbey Lincoln); 6) Vision (Peter Hammill); 7) Nightlife;
8) It’s too late (Carole King); 9) She’s leaving home (J.Lennon/P.McCartney);
10) Friend; 11) When the fire burns (Ralph Towner).

 All tunes, except where indicated, composed by Silvia Infascelli.

Arrangements by Yuri Goloubev.
Recorded, mixed and mastered at Artesuono Recording Studios,
Cavalicco (Udine), on April 11/13, 2013, by Stefano Amerio.

A quasi un decennio da «Nuda Terra», del suo Aura Trio, l’originale vocalist lombarda Silvia Infascelli torna finalmente a recitare un ruolo da leader, e lo fa nel migliori dei modi, affiancata da un trio di notevole caratura, che esalta il suo talento e la sua naturale musicalità. Lo compongono il pianista inglese Frank Harrison, il batterista israeliano ma residente a Londra Asaf Sirkis ed il contrabbassista russo, di casa in Italia, Yuri Goloubev, autore anche degli arrangiamenti. Esattamente vent’anni sono invece passati dalla sua unica precedente prova da leader, quel «Blue Tracks» di cui tanto bene aveva parlato la critica, non solo nazionale, ed al quale è seguito il lavoro nell’Ensemble Mobile, diretta da Giorgio Gaslini. Talento onnivoro e multiforme il suo – lo testimonia il curriculum, che l’ha vista studiare canto lirico, improvvisazione jazzistica, canto armonico, ed esibirsi nei più svariati contesti – che utilizza un repertorio capace di unire composizioni originali, con testi in italiano e inglese, a brani non appartenenti solo al repertorio jazzistico, che hanno la caratteristica di unire ad una musica convincente  testi di spessore altrettanto significativo. Se è da rimarcare una splendida Blue di Joni Mitchell, fra Carole King e Lennon/McCartney non deve sfuggire Throw it away dell’indimenticata Abbey Lincoln, a cui Silvia si avvicina sia per lo stile pulito e partecipe, che per l’attenzione riservata alle parole delle canzoni (una menzione per Come pioggia e Amore). «PrimaVera» è davvero, come scrive Paolo Fresu nelle note di copertina “… un lavoro discografico che respira di mondo. Non solo per il carattere internazionale del progetto, ma perché la musica si muove attraverso un bilinguismo e una curiosità repertoriale che racconta bene l’apertura musicale di Silvia. Artista forse sottovalutata nel panorama musicale italiano ed europeo.”

Silvia Infascelli (vocals), Frank Harrison (piano, keyboards on track n. 10),
Yuri Goloubev (double bass), Asaf Sirkis (drums).

1) Come pioggia; 2) Primavera; 3) Blue (Joni Mitchell); 4) Amore;
5) Throw it away (Abbey Lincoln); 6) Vision (Peter Hammill); 7) Nightlife;
8) It’s too late (Carole King); 9) She’s leaving home (J.Lennon/P.McCartney);
10) Friend; 11) When the fire burns (Ralph Towner).

All tunes, except where indicated, composed by Silvia Infascelli.Arrangements by Yuri Goloubev.

Recorded, mixed and mastered at Artesuono Recording Studios,
Cavalicco (Udine), on April 11/13, 2013, by Stefano Amerio.

After nearly a decade from «Nuda Terra» by her Aura Trio, the original Lombard vocalist Silvia Infascelli is finally back to play a leading role, and she does so in the best possible way, flanked by a trio of great caliber, which enhances her talent and natural musicality. The trio consists of English pianist Frank Harrison, Israeli –but resident in London – drummer Asaf Sirkis and Russian bass player, based in Italy, Yuri Goloubev, also author of the arrangements. Exactly twenty years have passed since her only previous test as a leader, «Blue Tracks», so well acclaimed by critics, not only nationally, which was followed by the participation in the Ensemble Mobile, conducted by Giorgio Gaslini. An omnivorous and multifaceted talent – as confirmed by her curriculum, which includes studies in opera singing, jazz improvisation, harmonic singing, and performances in many different contexts – with a repertoire that combines original compositions, with lyrics in Italian and English, to songs that don’t belong only to the jazz repertoire, that are capable of adding to an already compelling music some equally relevant lyrics. If we have to point out the beautiful Blue by Joni Mitchell, between Carole King and Lennon/McCartney, Throw it away isn’t to be missed, by the unforgotten Abbey Lincoln, to whom Silvia is close for both the clean and engaged style and the attention given to the lyrics (a mention is due for Come pioggia and Amore). «PrimaVera» is really, as Paolo Fresu writes in the liner notes, “… a work which breathes of the world. Not only for the international nature of the project, but because the music moves through a bilingualism and a curiosity in the repertoire that can tell Silvia’s musical openness very well… A perhaps underestimated artist in the Italian and European music scene …”.