Jeff Albert (trombone), Rex Gregory (clarinet, flute),
Helen Gillet (cello), Marcello Benetti (drums).

 1) Il Barone – short suite in 5 movements (M.Benetti);
2) Sylvan song (R.Gregory);  3) Circles (R.Gregory);
4) From East to West (M.Benetti); 5) Garden wall (R.Gregory).

 Recorded and mixed at Esplanade Studios, New Orleans, on 30^th January 2014,
by Misha Kachkachishvili; mastered by Jeff Albert.

A quasi tre anni di distanza dall’album del debutto, il quartetto Shuffled – che prende il suo nome proprio da quel disco – diretto dal batterista Marcello Benetti, con molti più concerti alle spalle e tante nuove idee da sviluppare, è tornato in studio d’incisione per la seconda tappa di quello che può ormai considerarsi un vero e proprio progetto musicale, felice e riuscita sintesi di quattro forti quanto distinte personalità. Se il valore di Jeff Albert  é ben noto agli appassionati italiani, hanno fatto passi da gigante sia il leader, veneziano da qualche anno trasferitosi a New Orleans, sia la violoncellista Helen Gillet, davvero superlativa con l’archetto, la cui fama sta notevolmente crescendo negli States, che il giovane plurisassofonista – che qui aggiunge al clarinetto il flauto  – Rex Gregory, forse il talento più multiforme ed esplosivo del quartetto. Quest’ultimo si è per di più preso la responsabilità, insieme al leader – che nel disco precedente aveva firmato invece tutti e otto i brani contenuti – del materiale compositivo, dimostrando una felice vena melodica, complessa e lineare allo stesso tempo, evidente sia nella soave, quasi eterea Sylvan song che nell’incalzante e ritmicamente sostenuta Circles – entrambe affrontate con il flauto – ma anche nella sinuosità contemporanea della finale Garden wall, che ce lo conferma sempre splendido clarinettista. Allo stesso modo le due composizioni offerte al quartetto da Marcello Benetti sembrano non meno interessanti: sia la movimentata breve suite Il Barone – eterogeneo e cangiante ritratto di un amico del cuore – che l’ipnotico e cangiante tema del brano che dà il titolo all’album, suggestivo incrocio fra cultura europea ed americana, come suggerisce lo stesso titolo. «From East to West» è insomma un disco spumeggiante, ricco di spunti stimolanti e di momenti riusciti, in cui i quattro musicisti, forti di un invidiabile “interplay”, sembrano muoversi con estrema fluidità e naturalezza, come componenti di un unico strumento, compatto e multiforme al tempo stesso.

Jeff Albert (trombone), Rex Gregory (clarinet, flute),
Helen Gillet (cello), Marcello Benetti (drums).

1) Il Barone – short suite in 5 movements (M.Benetti);
2) Sylvan song (R.Gregory); 3) Circles (R.Gregory);
4) From East to West (M.Benetti); 5) Garden wall (R.Gregory).

Recorded and mixed at Esplanade Studios, New Orleans, on 30th January 2014,
by Misha Kachkachishvili; mastered by Jeff Albert.

Almost three years after the debut record, the Shuffled Quartet – which takes its name just from that album – directed by drummer Marcello Benetti, now with many more concerts behind and new ideas to develop, is back in the recording studio for the second round of what can now be considered a real music project, an inspired and successful synthesis of four strong and different personalities. While the value of Jeff Albert is well known to the Italian jazz fans, others have been making great strides as well: from the leader, a Venetian who has moved to New Orleans a few years ago, to the cellist Helen Gillet, really superb with the bow and whose fame is growing significantly in the States, and the young multi–instrumentalist Rex Gregory, perhaps the most talented and multifaceted in the explosive quartet, that here adds the flute to clarinet. The latter is the one who has taken the responsibility of the composition along with the leader – who had signed all eight songs in the previous album – showing a cheerful melodic vein, complex and linear at the same time, evident in both the sweet and almost ethereal Sylvan song and in the pressing and rhythmically sustained Circles – both dealt with the flute – but also in the contemporary sinuosity of the final track Garden wall, which confirms him as a wonderful clarinetist. Similarly, the two compositions offered by Marcello Benetti to the quartet seem no less interesting: both the lively short suite Il Barone – heterogeneous and shimmering portrait of a best friend – and the hypnotic and changing theme of the title track, evocative crossing between European and American culture, as the name suggests. In conclusion, «From East to West» is a sparkling record, full of stimulating ideas and successful moments, in which the four musicians, armed with an enviable interplay, seem to move with great fluidity and naturalness, as components of a single instrument, compact and multiform at the same time.

Gigi Sella (soprano sax, alto & soprano recorder), Beppe Calamosca
(trombone, accordion), Paolo Scalzotto (bass), Adam Nussbaum (drums).

 1) Dedicated to Gil Evans; 2) Cold Street; 3) Apolide;
4) Ambiguous ballade (P.Scalzotto); 5) One step; 6) Morning breeze;
7) Autunno; 8) Habibi; 9) Days of old (Adam & Maia Nussbaum);
10) Song for Mike (B.Calamosca).

 All tunes, except where indicated, composed by Gigi Sella.

Recorded at ArtMusic Studio, Bassano del Grappa (Vicenza), on May 19, 2013;
mixed at ArteSuono Studios, Cavalicco (Udine), on September 4, 2013.

E’ un sodalizio di lunga data quello che unisce Gigi Sella e Beppe Calamosca, sax soprano e trombone, e che trova finalmente coronamento in questo riuscito album, cui hanno dato un importante contributo anche il solido basso elettrico di Paolo Scalzotto ed il fantasioso drumming di Adam Nussbaum, batterista che non ha certo bisogno di presentazioni. Il celebre “ospite speciale” non si è però limitato a “timbrare il cartellino”, ma è sembrato sposare senza remore il progetto dei tre musicisti vicentini, condivisione che emerge anche nelle sue brevi ma sincere note di copertina. «Apolide» si presenta come un lavoro compatto ed omogeneo, in cui il serrato dialogo fra i due fiati non può non ricordare lo storico sodalizio fra Steve Lacy e Roswell Rudd. Come l’indimenticato Lacy, Sella è fra i pochi sassofonisti a dedicarsi in modo esclusivo al soprano, anche se nel disco c’è un felice quanto inaspettato episodio in cui utilizza il flauto a becco, strumento legato alla musica antica e barocca. Il brano é Cold street, una delle tre parentesi che sembrano un poco interrompere la compatta omogeneità del lavoro; le altre due sono rappresentate dai brani in cui Calamosca suona l’amata fisarmonica, permeando di dolce e nostalgica melanconia sia l’Ambiguous ballade di Scalzotto, che Days of old, delicata ballad che Nussbaum ha voluto regalare agli amici italiani. Non è un caso che siano proprio queste due, insieme alla finale Song for Mike, di Calamosca, con la sua lenta ed evocativa cadenza bandistica, non lontana dalla scrittura di Carla Bley – nella cui big band  fra l’altro il trombonista ha suonato a lungo – le uniche tre composizioni del disco non firmate da Gigi Sella, di cui ci piace ricordare almeno le articolate Dedicated to Gil Evans e One step, con il loro incalzante incedere, così come la rarefatta e suggestiva Autunno.

Gigi Sella (soprano sax, alto & soprano recorder), Beppe Calamosca
(trombone, accordion), Paolo Scalzotto (bass), Adam Nussbaum (drums).

1) Dedicated to Gil Evans; 2) Cold Street; 3) Apolide;
4) Ambiguous ballade (P.Scalzotto); 5) One step; 6) Morning breeze;
7) Autunno; 8) Habibi; 9) Days of old (Adam & Maia Nussbaum);
10) Song for Mike (B.Calamosca).

All tunes, except where indicated, composed by Gigi Sella.

Recorded at ArtMusic Studio, Bassano del Grappa (Vicenza), on May 19, 2013;
mixed at ArteSuono Studios, Cavalicco (Udine), on September 4, 2013.

It’s a long–standing partnership the one that unites Gigi Sella and Beppe Calamosca, soprano sax and trombone, and it finally reaches its top in this successful album, which also includes important contributions by Paolo Scalzotto with his solid electric bass and the imaginative drumming of Adam Nussbaum, who doesn’t require any  introduction. This famous special guest, however, doesn’t limit his contribution to “clocking in”, but seems to have joined without hesitation the project of the three musicians from Vicenza, a kind of sharing that emerges also from his concise but sincere liner notes. «Apolide» is a compact and homogeneous work, in which a close dialogue between the two horns cannot fail to remember the historical partnership between Steve Lacy and Roswell Rudd. As the unforgotten Lacy, Sella is one of the few saxophonists who devotes himself exclusively to the soprano, although the album contains a pleasant and unexpected incident in which he uses the recorder, an instrument linked to ancient and baroque music. The piece is Cold street, one of the three moments that seem to break the compact homogeneity of this work; the other two are represented by the tracks where Calamosca plays the beloved accordion, filling both Scalzotto’s Ambiguous Ballade and Nussbaum’s Days of Old, a delicate ballad dedicated to his Italian friends, with sweet and nostalgic melancholy. It isn’t a coincidence the fact that these two, along with Calamosca’s final Song for Mike and its slow and evocative marching band pace, similar to the writing of Carla Bley – whose big–band the trombonist has, by the way, been playing in for a long time – are the only three songs in the album not composed by Gigi Sella. In the end we like to remind Sella’s articulated Dedicated to Gil Evans and One Step, with their pressing rhythm, as well as the rarefied and evocative Autumn.

Gianluca Lusi (tenor & soprano sax), Walter Ricci (vocals), Francesco Marziani
(piano), Daniele Sorrentino (double bass), Luigi Del Prete (drums).

1) Cherokee (R.Noble); 2) April in Paris ((V.Duke/E.Y.Harburg); 3) On Green
Dolphin Street (B.Kaper/N.Washington); 4) What’s new? (B.Haggar/J.Burke);
5) Young pretty lady (F.Marziani/E.Pizzuto); 6) Puerto antico (G.Lusi/E.Pizzuto);
7) Stella by starlight (V.Young/N.Washington); 8) Just friends (J.Klenner/Sam M.Lewis);
9) The nearness of you (H.Carmichael/N.Washington)

Recorded and mixed at Toto Sound Studio, Rome, in 2013, by Marco Maracci;
mastered at Tosky Records Studio, Rome, by Giorgio Lovecchio.

Ha ormai raggiunto la piena maturità artistica il sassofonista abruzzese Gianluca Lusi, classe 1975, giunto con questo al suo quinto album da leader. Ha iniziato da ragazzo con il clarinetto e, dopo aver conseguito il diploma in sassofono al Conservatorio dell’Aquila con il massimo dei voti, ha approfondito lo studio dell’improvvisazione con Maurizio Gianmarco. Lusi ha messo a punto uno stile classico e moderno al tempo stesso, sorta di neo–bop fresco e melodico, di matrice mediterranea, ma che guarda con interesse anche a Wayne Shorter. Ha dato prova del suo talento prima nell’album «Viaggio» (2006),  poi, affiancato dal chitarrista Luigi Masciari, in due interessanti lavori come «Gotha 17» (2008) e «Rune» (2010). La consacrazione arriva però nel 2012, con «Loose», inciso in duo con il giovane pianista statunitense Joel Holmes. Nelle note di copertina Danilo Rea non lesina elogi ai due jazzisti, anche autori di quasi tutti i titoli. Gianluca Lusi torna con questo nuovo lavoro alla rilettura degli standard (sono originali soltanto il blues di Young pretty lady e Puerto antico, nostalgica ballad), ma lo fa con originalità e freschezza, senza mai cedere alle tentazioni del deja–vù. Ma una parte del merito va data sia alla solidità ed all’inventiva del pianista napoletano Francesco Marziani, sia alla sorprendente padronanza vocale di Walter Ricci, crooner moderno, originale e maturo a dispetto dei suoi 25 anni. Il vocalist partenopeo é addirittura spregiudicato in Cherokee e Just friends, ma dimostra di trovarsi a proprio agio anche nelle più complesse On Green Dolphin Street e What’s new?. Sembra soprattutto intendersi a meraviglia con il sax tenore fluido e profondo del leader, mai invadente, sempre efficace. Non ci si deve quindi stupire che, pur così giovane, Ricci abbia già duettato in disco con Mario Biondi, Stefano Di Battista e Daniele Scannapieco.

Gianluca Lusi (tenor & soprano sax), Walter Ricci (vocals), Francesco Marziani
(piano), Daniele Sorrentino (double bass), Luigi Del Prete (drums).

1) Cherokee (R.Noble); 2) April in Paris ((V.Duke/E.Y.Harburg); 3) On Green
Dolphin Street (B.Kaper/N.Washington); 4) What’s new? (B.Haggar/J.Burke);
5) Young pretty lady (F.Marziani/E.Pizzuto); 6) Puerto antico (G.Lusi/E.Pizzuto);
7) Stella by starlight (V.Young/N.Washington); 8) Just friends (J.Klenner/Sam M.Lewis);
9) The nearness of you (H.Carmichael/N.Washington).

Recorded and mixed at Toto Sound Studio, Rome, in 2013, by Marco Maracci;
mastered at Tosky Records Studio, Rome, by Giorgio Lovecchio.

Saxophonist Gianluca Lusi, born in Abruzzo in 1975, has by now reached his full artistic maturity, this being his fifth album as a leader. He started with the clarinet as a boy and, after graduating with honors in saxophone at the Conservatory of L’Aquila, he has deepened the study of improvisation with Maurizio Gianmarco. Lusi has developed a style both classic and modern, a sort of crisp and melodic neo–bop, with a Mediterranean matrix, but also looking up to Wayne Shorter with interest. He has proven his talent with the album «Viaggio» (2006) at first, then, flanked by guitarist Luigi Masciari, with two interesting works such as «Gotha 17» (2008) and «Rune» (2010). The consecration, however, came in 2012, with «Loose», recorded in duet with the young American pianist Joel Holmes. In the liner notes Danilo Rea spares no praise to the two jazz musicians and authors of almost all titles. With this new work, Gianluca Lusi goes back to a reinterpretation of the standards (only the blues Young pretty lady and the nostalgic ballad Puerto antico are originals), but he does so with originality and crispness, without falling into the temptation of deja–vù. But some credit must be given to both the strength and inventiveness of Neapolitan pianist Francesco Marziani and to the amazing vocal mastery of Walter Ricci, a modern, original and mature crooner, in spite of his 25 years. The Neapolitan singer is even reckless in Cherokee and Just friends, but proves to be comfortable even in the most complex On Green Dolphin Street and What’s new ?. He seems to get on perfectly with the fluid and deep tenor sax played by the leader, never intrusive, always effective. Therefore it is not so surprising the fact that Ricci, although very young, has already dueted in records with Mario Biondi, Stefano Di Battista and Daniele Scannapieco.

Emanuele Grafitti (classic & acoustic guitars), Fausto Beccalossi (accordion),
Maurizio Camardi (soprano & sopranino sax, duduk).

1) Panta Rei; 2) Remind me later; 3) Smell of rain;
4) Zen garden; 5) Midnight in Paris; 6) Red and black; 7) First of June.

All tunes composed by Emanuele Grafitti.

Recorded and edited at Urban Recording Studio, Trieste, on May 8 and 9,
2013, by Fulvio Zafret; mixed in June 2013 by Roberto Sopracasa.

Dopo alcuni accordi sospesi della chitarra di Emanuele Grafitti, è la fisarmonica di Fausto Beccalossi a fornire un prezioso controcanto al soprano di Maurizio Camardi, che enuncia con pregnante sensibilità il tema di Panta Rei. Difficile non pensare alle atmosfere cariche di lirismo, non prive di uno swing corposo e fluido, del giovane Richard Galliano, anche se qui è sempre la chitarra a ritagliarsi gli assoli più lunghi, come nel piacevole ostinato di Remind me later, o nell’assorta e contemplativa Smell of rain, con Camardi impegnato al duduk. Ha un andamento danzante il brano che dà il titolo all’album, melodia accattivante che un’ispirata fisarmonica rende ancor più suggestiva. Non poteva mancare un omaggio al valse musette, e con la sognante Midnight in Paris, Grafitti – autore di tutti e sette i brani dell’album – colpisce perfettamente nel segno, sfoggiando una tecnica chitarristica che rende omaggio ai molti interpreti del jazz manouche, ma soprattutto al loro insuperato maestro. Ed è ancora un ritornello cantabile (Red and black) ad alzare la tensione ritmica, prima del finale sussurato di First of June, nostalgico com’è il nostro stato d’animo alla fine di un viaggio che ci ha affascinato. Si presenta così, nel migliore dei modi, sulla scena jazzistica italiana, ma non solo, con il suo terzo e forse sin qui più significativo album, il chitarrista Emanuele Grafitti, classe 1992, che, dopo essersi diplomato al Conservatorio Tartini di Trieste, ha vinto nel 2009 il premio Franco Russo per talenti emergenti e nel 2010 il concorso “Porsche Live – Giovani e Jazz”, in duo con l’altrettanto giovane Daniele Raimondi, trombettista della sua città.  AlfaOmega – così si chiamava il duo – ha pubblicato nel 2012 un disco per l’etichetta padovana Blue Serge, «Travellin’». All’inizio del 2013 il chitarrista triestino ha quindi sentito il bisogno di affrontare la difficile sfida del solo, registrando «Life Colours», lavoro autoprodotto che mette in mostra una tecnica ed un’espressività già molto personali. Il ritorno alla dimensione collettiva con questo trio davvero bene assortito, che privilegia la naturalezza dei suoni acustici,  rappresenta l’ultima importante tappa di una maturazione artistica sorprendentemente veloce ed originale.

Emanuele Grafitti (classic & acoustic guitars), Fausto Beccalossi (accordion),
Maurizio Camardi (soprano & sopranino sax, duduk).

1) Panta Rei; 2) Remind me later; 3) Smell of rain;
4) Zen garden; 5) Midnight in Paris; 6) Red and black; 7) First of June.

All tunes composed by Emanuele Grafitti.

Recorded and edited at Urban Recording Studio, Trieste, on May 8 and 9,
2013, by Fulvio Zafret; mixed in June 2013 by Roberto Sopracasa.

After some suspended chords by Emanuele Grafitti’s guitar, the accordion played by Fausto Beccalossi provides a valuable countermelody to Maurizio Camardi’s soprano, which states with poignant sensitivity the theme of Panta Rei. It is hard not to think of the atmospheres full of lyricism, with a rich and fluid swing, by the young Richard Galliano, although is always the guitar here which conquers longer solos, as in the pleasant stubborn Remind me later, or in the focused and contemplative Smell of rain, with Camardi at the duduk. The title track has a dancing pace, a captivating melody made even more impressive by an inspired accordion. A tribute to the valse musette could not be missing, and with the dreamy Midnight in Paris, Grafitti – author of all the seven songs in the album – perfectly hits the spot, sporting a guitar technique that pays tribute to many interpreters of jazz manouche, especially to their unsurpassed master. And it is still a singable refrain  (Red and black) to raise the rhythmic tension, before the whispered finale, First of June, nostalgic as our state of mind at the end of a journey that fascinated us. In the best of the ways, this is how guitarist Emanuele Grafitti introduces himself to the Italian jazz scene and beyond, with his third and maybe more relevant album so far; born in 1992, after graduating from the Tartini Conservatory of Trieste, he won the Franco Russo prize for emerging talents in 2009 and the “Porsche Live  – Young and Jazz” competition in 2010, in a duet with the equally young and fellow citizen trumpeter Daniele Raimondi. AlfaOmega – that was the name the duo – published a record under the label Blue Serge in Padova, «Travellin’», in 2012. At the beginning of 2013, the guitarist native of Trieste has then felt the need to face the difficult challenge of the solo, recording «Life Colours», self–produced work that showcases some already very personal technique and expressiveness. The return to a collective dimension with this well assorted trio, which favors the naturalness of acoustic sounds, is the last major step in a surprisingly fast and original artistic maturation.

Gianluca Carollo (trumpet, flugelhorn, live electronics), Fabio Baù &
Daniele Casarotti (trumpet), Beppe Calamosca & GianMatteo Carollo (trombone),
Michele Favrin & Alberto Prandina (french horn), Dario Duso (tuba),
Valerio Galla (percussion), Graziano Colella (drums).
Guests : Massimiliano Favrin (french horn) on tracks 2/3/6/9,
Luca Moresco (bass trombone) on tracks 1/2/379.

 1) Quasi (B.Purse); 2) After thought (B.Purse); 3) Carry on wayward son
(K.Livgren); 4) Brassblues (G.Casati); 5) I am with you (L.Bowie);
6) Star wars (J.Williams); 7) Chameleon (H.Hancock);
8) Sinfonia per un addio (GP.Reverberi); 9) I got you (J.Brown).

 Arrangements by GianMatteo Carollo and Dario Duso
Recorded, mixed and mastered at Cat Sound Studio, Badia Polesine (Rovigo),
on July 17 and 18, 2013, by Mario Marcassa and Emanuele Chiericato.

Il Lester Brass Project nasce per volontà  di Dario Duso e Gianmatteo Carollo, tuba e trombone, che hanno curato anche buona parte degli arrangiamenti in repertorio. In seguito è stato coinvolto nella formazione, in qualità di leader, Gianluca Carollo, trombettista ben noto del nostro panorama jazzistico. Ma sono stati egualmente importanti, per il consolidamento dell’ensemble vicentino, il talento e la preziosa collaborazione di tutti gli altri suoi componenti, dal trombone di Beppe Calamosca alle percussioni di Valerio Galla, dalla batteria di Graziano Colella al corno francese di Alberto Prandina.  Si tratta di musicisti legati da un unico comun denominatore: la capacità di misurarsi con i più svariati stili musicali, caratteristica  indispensabile per poter realizzare gli arrangiamenti creati per questo particolare progetto, che ricrea quello spirito bandistico, ironico e scanzonato, tanto caro a Lester Bowie ed alla sua Brass Fantasy, cui naturalmente il progetto in questione si ispira. Da repertorio della brass band americana vengono infatti ripresi quattro dei nove titoli dell’album, i due del trombettista Bruce Purse, I am with you, del leader, e il coinvolgente I got you, di James Brown, Tra i rimanenti cinque brani sembrano particolarmente riusciti sia Chameleon, scritto da Herbie Hancock per i primi Head Hunters, sia Brassblues, di Giampaolo Casati, blues dal sapore evansiano, che conferma anche, insieme a Sinfonia per un addio, di Reverberi, quanto il percorso musicale iniziato dall’ensemble di Carollo, pur discendendo da quello di Bowie, abbia già una sua originale e precisa fisionomia, cui non è di certo estranea la tradizione bandistica italiana.

Gianluca Carollo (trumpet, flugelhorn, live electronics), Fabio Baù &
Daniele Casarotti (trumpet), Beppe Calamosca & GianMatteo Carollo (trombone),
Michele Favrin & Alberto Prandina (french horn), Dario Duso (tuba),
Valerio Galla (percussion), Graziano Colella (drums).
Guests : Massimiliano Favrin (french horn) on tracks 2/3/6/9,
Luca Moresco (bass trombone) on tracks 1/2/379.

1) Quasi (B.Purse); 2) After thought (B.Purse); 3) Carry on wayward son
(K.Livgren); 4) Brassblues (G.Casati); 5) I am with you (L.Bowie);
6) Star wars (J.Williams); 7) Chameleon (H.Hancock);
8) Sinfonia per un addio (GP.Reverberi); 9) I got you (J.Brown).

Arrangements by GianMatteo Carollo and Dario Duso
Recorded, mixed and mastered at Cat Sound Studio, Badia Polesine (Rovigo),
on July 17 and 18, 2013, by Mario Marcassa and Emanuele Chiericato.

The Lester Brass Project was created by Dario Duso and Gianmatteo Carollo, tuba and trombone, who also handled most of the arrangements in the repertoire. Gianluca Carollo, well known trumpeter in our jazz scene, was later involved in the formation too as the leader. The talent and the precious collaboration of all the other members, from Beppe Calamosca’s trombone to Valerio Galla’s percussions, from Graziano Colella’s drums to Alberto Prandina’s french horn, have been equally important for the consolidation of the ensemble from Vicenza. These musicians are all linked by a single common denominator: the ability to prove themselves in the most varied musical styles, an indispensable feature in order to play the arrangements created for this particular project, which recreates that ironic and laid–back marching–band spirit so dear to Lester Bowie and his Brass Fantasy,  which of course is a source of inspiration for the project in question. From the repertoire of the American brass band are in fact taken four of the nine titles of the album: two by trumpeter Bruce Purse, I am with you, by the leader, and the captivating I got you by James Brown. Among the five remaining songs, particularly successful are both Chameleon, written by Herbie Hancock for the first Headhunters, and Brassblues by Giampaolo Casati, a blues with an Evans flavor, which also confirms, along with Reverberi’s Sinfonia per un addio, that the musical path started by Carollo’s ensemble, although descending from that of Bowie, already has its own original and specific features, not far away from the Italian marching band tradition.

Carmelo Agliego (flute), Gaetano Cristofaro (clarinet), Christian Bianca (violin),
Susy Kimbell (cello), Giuseppe Guarrella (double bass), Marina Gallo (piano).
Crossover Ensemble conducted by Francesco Branciamore.

 1) Prologue (F.Branciamore); 2) Autumn leaves (J.Kosma);
3) How my heart sings (E.Zindars); 4) Minority (G.Gryce);
5) My foolish heart (V.Young/N.Washington); 6) Oleo (S.Rollins);
7) Peace piece (B.Evans); 8) Peau douce (S.Swallow); 9) Peri’s scope (B.Evans);
10) Quiet now (D.Zeitlin); 11) Two lonely people (B.Evans);
12) Time remembered (B.Evans); 13) Waltz for Debby (B.Evans);
14) Remembering B.E. (F.Branciamore); 15) Epilogue (B.Evans).

 All music arranged by Francesco Branciamore.
Recorded and mixed at Sonoria Recording Studio, Scordia (Catania),
on 1^st and 3^rd September 2013, by Vincenzo Cavalli.

Gli ormai 35 anni di attività professionale nel campo del jazz, le decine di dischi registrati sia come leader, sia come sideman, fanno del batterista–compositore siracusano Francesco Branciamore una delle figure di spicco del panorama jazzistico contemporaneo, non solo italiano. Quinto lavoro per Caligola, questo «Remembering B.E.», completamente diverso dai precedenti (ma lo sono anche gli altri fra di loro), lo vede all’opera esclusivamente come direttore, arrangiatore e compositore. Il sottotitolo del disco, “A tribute to Bill Evans”, non lascia il campo a dubbi o ad equivoci. Non ci troviamo però in presenza di uno dei tanti omaggi jazzistici al grande pianista scomparso nel 1980, ma di un lavoro molto particolare, che non prevede l’improvvisazione, è interpretato da un sestetto classico, il Crossover Ensemble, ma vede soprattutto la pianista Marina Gallo eseguire le trascrizioni integrali degli assoli di Evans fatta da Branciamore, autore anche di tutti gli arrangiamenti. Nessun omaggio ha fino ad oggi previsto un organico simile a quello utilizzato in quest’incisione. Un esperimento analogo, sempre legato alla musica classica, era stato realizzato nel 1986 dal Kronos Quartet con Eddie Gomez e Jim Hall. Il leader ha quindi lavorato sull’anima classica di Bill Evans, cercando di  mettere in rilievo l’influenza esercitata su di lui Chopin, Ravel, Debussy  e Satie, ma anche di evidenziare le più sottili e variegate sfumature della sua musica. Nell’album non vi sono solo brani composti dal’indimenticato pianista, ma anche alcuni degli standard da lui più amati, così come due nuove composizioni che Francesco Branciamore gli ha voluto dedicare.

Carmelo Agliego (flute), Gaetano Cristofaro (clarinet), Christian Bianca (violin),
Susy Kimbell (cello), Giuseppe Guarrella (double bass), Marina Gallo (piano).
Crossover Ensemble conducted by Francesco Branciamore.

1) Prologue (F.Branciamore); 2) Autumn leaves (J.Kosma);
3) How my heart sings (E.Zindars); 4) Minority (G.Gryce);
5) My foolish heart (V.Young/N.Washington); 6) Oleo (S.Rollins);
7) Peace piece (B.Evans); 8) Peau douce (S.Swallow); 9) Peri’s scope (B.Evans);
10) Quiet now (D.Zeitlin); 11) Two lonely people (B.Evans);
12) Time remembered (B.Evans); 13) Waltz for Debby (B.Evans);
14) Remembering B.E. (F.Branciamore); 15) Epilogue (B.Evans).

All music arranged by Francesco Branciamore.
Recorded and mixed at Sonoria Recording Studio, Scordia (Catania),
on 1st and 3rd September 2013, by Vincenzo Cavalli.

After almost 35 years of professional career in jazz, after having recorded dozens of albums both as a leader and as a sideman, drummer and composer Francesco Branciamore, born in Syracuse, has become one of the leading figures in the contemporary jazz scene, not only in Italy. In «Remembering B.E.», the fifth record for Caligola, which is completely different from the previous ones (but so are the others among them), Branciamore works exclusively as a director, arranger and composer. The subheading of the record, “A tribute to Bill Evans”, does not leave any room for doubts or misunderstandings. This, however, is not one of the many tributes to the great jazz pianist who died in 1980, but a very special work, which does not include improvisation, is played by a classical sextet, the Crossover Ensemble, and most importantly, sees pianist Marina Gallo perform the full transcripts of Evans’ solos, made by Branciamore, also the author of all the arrangements. No tribute has so far provided a lineup similar to the one used for this recording. A similar experiment, likewise related to classical music, was made in 1986 by the Kronos Quartet with Eddie Gomez and Jim Hall. The leader has therefore worked on Bill Evans’s classical soul, trying to emphasize the influence that Chopin, Ravel, Debussy and Satie exerted on him, but also to highlight the more subtle and varied shades of his music. The album does not only contain songs composed by the unforgettable pianist, but also some of the standard he most loved, as well as two new compositions that Francesco Branciamore wanted to dedicate to him.

Mario Corvini (trombone), Antonio Tosques (electric guitar),
Jacopo Ferrazza (double bass), Pietro Iodice (drums).

 1) Aforismi (M.Corvini); 2) Back up (A.Tosques); 3) Boh! (M.Corvini);
4) Lithium (M.Corvini); 5) Nothing new (J.Ferrazza); 6) Psychedelic light (A.Tosques);
7) Seven (A.Tosques); 8) Waiting dog (J.Ferrazza).

 Recorded at Blue Sound Studio, Rome, on 3^rd April 2013, by Luca Leonori;
mixed and mastered at Mediterraneo Studio, Santeramo in Colle (Bari),
on 4^th June 2013, by Massimo Stano.

Un suono fresco e contemporaneo, ma allo stesso tempo profondamente radicato nella tradizione, è quello del neo–costituito Lithium J Quartet, guidato dal chitarrista pugliese Antonio Tosques e dal batterista napoletano, ma ormai romano d’adozione, Pietro Iodice. Il gruppo, originale anche nella sua composizione strumentale, firma un convincente «Psychedelic Light», progetto inedito, moderno nel groove e negli approcci improvvisativi. Se Iodice e il trombonista Mario Corvini, figlio d’arte (il padre è il trombettista Alberto Corvini), milanese trapiantato nella capitale, hanno alle spalle una lunga frequentazione, a partire dal Roma Jazz Ensemble, dedicando da sempre grande attenzione al lavoro orchestrale, quindi alla composizione ed all’arrangiamento, non si può dire lo stesso degli altri due membri del quartetto, il giovane contrabbassista Jacopo Ferrazza ed il co–leader Antonio Tosques, forte di oltre vent’anni di attività professionale e di almeno altri due dischi importanti da leader: «Synopsis» (2007), registrato con il contrabbassista Pierluigi Balducci – con cui peraltro ha frequentemente lavorato – e «Blocknotes» (2011), che ha come ospite il pianista americano Mike Melillo. I brani contenuti nell’album, tutti originali – cui hanno contribuito sia Ferrazza (due), che Tosques e Corvini (tre ciascuno) – confermano la grande attenzione riposta nella composizione e nell’arrangiamento dal Lithium J Quartet. Otto composizioni che illustrano brillantemente il variegato eppure coerente ambito espressivo in cui si muove il quartetto, che ama gli improvvisi cambi di tempo, dall’iniziale Aforismi, di Corvini, con i suoi vivaci e festosi ritmi latini, alla lenta e suggestiva ballad finale firmata dal contrabbassista,Waiting dog. Ma trombone e chitarra, che con i suoi ipnotici arpeggi plasma la soffusa atmosfera del brano che dà il titolo all’album, ci guidano con virtuosismo e creatività attraverso l’altalenante incedere ritmico dell’hard–bop mingusiano di Lithium, ancora del trombonista, o l’irregolare eppur avvincente Nothing new di Ferrazza, non distante dai climi cari a John Scofield.

Mario Corvini (trombone), Antonio Tosques (electric guitar),
Jacopo Ferrazza (double bass), Pietro Iodice (drums).

 1) Aforismi (M.Corvini); 2) Back up (A.Tosques); 3) Boh! (M.Corvini);
4) Lithium (M.Corvini); 5) Nothing new (J.Ferrazza); 6) Psychedelic light (A.Tosques);
7) Seven (A.Tosques); 8) Waiting dog (J.Ferrazza).

 Recorded at Blue Sound Studio, Rome, on 3^rd April 2013, by Luca Leonori;
mixed and mastered at Mediterraneo Studio, Santeramo in Colle (Bari),
on 4^th June 2013, by Massimo Stano.

The newly formed Lithium J Quartet, led by guitarist Antonio Tosques from Puglia and drummer Pietro Iodice, born in Naples but Roman by adoption, offers a fresh and contemporary sound, but at the same time deeply rooted in tradition. The band, original also for its instrumental composition, delivers an outstanding «Psychedelic Light», a previously unreleased project, with a modern groove and approach to improvisation. Iodice and trombonist Mario Corvini (whose father is trumpeter Alberto Corvini), who was born  in Milan but now based in Rome, come from a long association starting with Roma Jazz Ensemble and have always devoted great attention to the orchestral work, thus to the composition and arrangement; the same cannot be said of the other two members of the quartet, the young double–bass player Jacopo Ferrazza and co–leader Antonio Tosques, who has over twenty years of professional activity and at least two other important records as a leader: «Synopsis» (2007), recorded with bassist Pierluigi Balducci – with whom he has frequently worked – and «Blocknotes» (2011), which features the American pianist Mike Melillo. The songs in the album – all original compositions that are the result of the contribution of Ferrazza (two), Tosques and Corvini (three each) – confirm a great attention to the composition and arrangement given by Lithium J Quartet. The eight tunes brilliantly illustrate the varied yet coherent expressive framework in which the quartet moves, with the sudden tempo changes, from the initial Aphorisms, by Corvini, with its lively and festive Latin rhythms, up to the slow and evocative final ballad , composed by the bass player, Waiting dog. Trombone and guitar – that shapes the soft atmosphere of the title track with its hypnotic arpeggios – guide us with virtuosity and creativity through the swinging rhythm of Lithium, a hard–bop theme in Mingus mood,  by trombonist Corvini, or the irregular yet captivating Nothing new by Ferrazza, not distant from the atmospheres so dear to John Scofield.

Michele Polga (tenor sax), Marcello Tonolo (piano),
Domenico Santaniello (double bass, cello), Massimo Chiarella (drums).

 Ma non nell’intermezzo; 2) Il valzer della fanciulla; 3) Mimì (Pietro Tonolo);
4) E lucevan le stelle (G.Puccini); 5) Flora; 6) Fanciulla; 7) Non ti lascio più;
8) Pucciniland (D.Santaniello); 9) Fly (M.Polga).

 All tunes composed by Marcello Tonolo, except where indicated,

Recorded and mixed in June 2013, mastered in October 2013, at Cat Sound Studio,
Badia Polesine (Rovigo), by Mario Marcassa and Emanuele Chiericato.

Difficile commentare in poche righe un lavoro così complesso ed importante, dedicato alla rielaborazione di arie pucciniane, progetto che Marcello Tonolo ha tenuto sin troppo a lungo in cassetto. Ci sembra invece più funzionale al nostro scopo prendere a prestito alcuni passaggi delle lunghe ma illuminanti note di copertina del disco, firmate dal musicologo Paolo Cecchi. “…«Puccini in Jazz» presenta nove brani i cui temi sono tratti da alcune delle più note opere del compositore lucchese («Manon Lescaut», «Bohème», «Tosca», «La fanciulla del West» e «Madama Butterfly»), in arrangiamenti e rielaborazioni dovuti per più di metà a Marcello Tonolo, ma con importanti contributi di Michele Polga e Domenico Santaniello, componenti del quartetto, e del fratello Pietro, che già con lui aveva affrontato lo stesso repertorio in duo…. qui il rischio di concepire sovrapposizioni ed incroci esteticamente inerti tra jazz e musica classica viene abilmente evitato, poiché nel disco le melodie pucciniane vengono utilizzate come semplice materiale, sottoposto a manipolazioni e modifiche di diversa natura, evitando così ogni bozzettismo melodico e compiacimento d’atmosfera… In particolare, all’interno di molte composizioni risultano decisive  le modifiche, a volte radicali, della configurazione armonica delle melodie di Puccini, che vengono così in parte rimosse della loro caratterizzazione originale, e trasformate in strutture mobili e dinamiche, le cui nuove sequenze accordali funzionano egregiamente come intelaiatura armonica su cui si svolge l’improvvisazione dei solisti… vi è, in quasi tutti i pezzi, una ricerca costante di percorsi formali meno consueti e più articolati, che prevedono successioni diversificate tra i segmenti tematici e le parti deputate all’improvvisazione dei solisti, con risultati particolarmente felici in titoli come Ma non nell’intermezzo e Mimì… Fanciulla, la composizione più trascinante del disco, inizia con un’introduzione pianistica che ricorda l’impeto ritmico di alcuni brani di McCoy Tyner  (si pensi a Passion Dance)…”. 

Michele Polga (tenor sax), Marcello Tonolo (piano),
Domenico Santaniello (double bass, cello), Massimo Chiarella (drums).

 Ma non nell’intermezzo; 2) Il valzer della fanciulla; 3) Mimì (Pietro Tonolo);
4) E lucevan le stelle (G.Puccini); 5) Flora; 6) Fanciulla; 7) Non ti lascio più;
8) Pucciniland (D.Santaniello); 9) Fly (M.Polga).

All tunes composed by Marcello Tonolo, except where indicated.

Recorded and mixed in June 2013, mastered in October 2013, at Cat Sound Studio,
Badia Polesine (Rovigo), by Mario Marcassa and Emanuele Chiericato.

It is hard to comment in just a few lines a work of such complexity and relevance, dedicated to the elaboration of Puccini’s arias, a project that Marcello Tonolo has kept in the closet far too long. It seems more functional for our purpose to borrow some passages of the long but illuminating cover notes of the album, signed by the musicologist Paolo Cecchi. “…«Puccini in Jazz» presents nine songs whose themes are drawn from some of the most famous works of the Lucca native composer («Manon Lescaut», «Bohème», «Tosca», «La fanciulla del West» and «Madama Butterfly»), in arrangements and rework done for the most part by Marcello Tonolo, but with important contributions from Michele Polga and Domenico Santaniello, members of the quartet, and from his brother Pietro, who had already performed with him the same repertoire in a duo. …the risk of conceiving aesthetically inert overlaps and intersections between jazz and classical music is cleverly avoided here, since Puccini’s melodies are used in the album as mere material, subject to manipulation and various modifications, thus avoiding any melodic sketching and ambient complacency… In many compositions, the sometimes radical changes in the configuration of the harmonic melodies of Puccini become crucially important; the melodies are partially deprived of their original characterization, and transformed into dynamic and mobile structures, whose new chord sequences work fine as harmonic frame over which the improvisation of soloists develop … There is, in almost all of the pieces, a constant search for less usual and more articulated formal paths, involving successions diversified between thematic segments and parts for solo improvisations, with particularly good results in titles like Ma non nell’intermezzo and Mimi … Fanciulla, the most enthralling composition in the album, begins with a piano introduction reminiscent of the rhythmic impetus of some McCoy Tyner’s tunes (we think of Passion Dance, for example) … “.

Andrea Ferrario (tenor and soprano sax), Andrea Calì (piano),
Giannicola Spezzigu (double bass),Marcello Molinari (drums).
Special guest: Stefano Onorati (piano) on tracks nr. 2 and 5.

 1) Il viaggio di Neal (M.Molinari); 2) Small forest’s soliloquy (M.Molinari);
3) Joke (A.Ferrario); 4) Favola (A.Ferrario); 5) Gegè (A.Ferrario);
6) Benedetta (M.Molinari); 7) Crossroads (A.Ferrario);
8) Here, there and everywhere (Lennon/McCartney).

 Recorded and mixed at Modulab Studio, Casalecchio di Reno (Bologna),
in June 2013, by Marco Biscarini and Francesco Erdas

Rispetto al quartetto che aveva registrato tre anni prima  «The mask» (Caligola 2143), cambiano il pianista (Andrea Calì prende infatti il posto di Mauro Gallo) e soprattutto il nome del leader: lì era Andrea Ferrario, qui Marcello Molinari. Ma unisce i due dischi un’analoga visione musicale, che innesca all’interno di una solidità ritmico–armonica di gusto neo–bop, una vena melodica comune a gran parte della tradizione musicale italiana, riuscendo così a conferire scorrevolezza ed originalità ad una musica che appare nel suo complesso più intima e rilassata di quella del precedente lavoro. Fornisce nella fattispecie un importante apporto compositivo anche Molinari, quasi a giustificare il suo ruolo di leader, benché sia ancora Ferrario a firmare il maggior numero dei brani (quattro su otto) di un repertorio che si chiude con l’inaspettata quanto riuscita versione di una delle più belle quanto sottovalutate gemme beatlesiane, la nostalgica Here, there and everywhere. I cinque anni di lavoro comune si fanno sentire, e la coppia ritmica – che vede il leader affiancato dal solido contrabbasso di Giannicola Spezzigu – sottolinea nel migliore dei modi il fluido incedere dei temi, da quello iniziale, incalzante ed aperto, di sapore modale, che dà il titolo all’album (il viaggio è quello di Neal Cassady, scrittore della Beat Generation e protagonista di «Sulla strada» di Keruac), a  Small forest’s soliloquy, ballad intensa cui dà un sostanzioso apporto il pianoforte di Stefano Onorati – entrambi sono firmati da Molinari – che sostituisce in questo brano così come in Gegè, di  Ferrario, altro tema lento e riflessivo, il pianista stabile del quartetto. Il divertente riff boppistico di Joke, trampolino di lancio per il suo fluido sax tenore, precede l’unico brano in cui lo si può ascoltare al soprano, Favola, brano dal respiro ampio e lirico, così come lo è quello della splendida melodia di McCartney, seconda forse alla sola Yesterday, che il quartetto riesce a trasformare in uno standard delizioso, meritevole di un posto nel «Real Book».

Andrea Ferrario (tenor and soprano sax), Andrea Calì (piano),
Giannicola Spezzigu (double bass),Marcello Molinari (drums).
Special guest: Stefano Onorati (piano) on tracks nr. 2 and 5.

 1) Il viaggio di Neal (M.Molinari); 2) Small forest’s soliloquy (M.Molinari);
3) Joke (A.Ferrario); 4) Favola (A.Ferrario); 5) Gegè (A.Ferrario);
6) Benedetta (M.Molinari); 7) Crossroads (A.Ferrario);
8) Here, there and everywhere (Lennon/McCartney).

 Recorded and mixed at Modulab Studio, Casalecchio di Reno (Bologna),
in June 2013, by Marco Biscarini and Francesco Erdas .

This quartet differs from the one who registered «The mask» three years before (Caligola 2143) because it has a new pianist, Andrea Calì in place of Mauro Gallo, but most importantly because of the leader’s name: previously Andrea Ferrario, now Marcello Molinari. What links the two records is a similar musical vision, that triggers a melodic vein common to much of the Italian musical tradition within a neo–bop rhythmic and harmonic solidity, thereby conferring smoothness and originality to a music which appears as a whole more intimate and relaxed than in the previous work. In this case Molinari provides an important contribution as a composer as well, almost to justify his leading role, although Ferrario is still signing most of the tracks (four out of eight) of a repertoire that closes with the unexpected and well done version of one of the most beautiful and undervalued gems of the Beatles, the nostalgic Here, there and everywhere. The five years of working together are perceivable, and the rhythmic couple –  the leader flanked by the solid double bass of Giannicola Spezzigu – emphasizes in the best way the fluid proceeding of musical themes, from the persistent and open start, of modal flavor, that gives the title track (the journey is the one of Neal Cassady, the Beat Generation writer and star of «On the Road» by Kerouac), up to the intense ballad Small forest’s soliloquy – both themes are composed by Molinari – with a substantial contribution by Stefano Onorati at the piano, who substitutes the core pianist of the quartet in this piece as well as in Ferrario’s Gegé, another slow and thoughtful theme. The entertaining bop riff of Joke, springboard for the fluid tenor sax, precedes the only song in which you can listen to him at soprano, Favola, a wide and lyrical–ranging piece, just as the beautiful melody of McCartney – surpassed perhaps only by Yesterday –,  that the quartet is able to transform into a delicious standard, worthy of a place in the «Real Book».

Stefano Onorati (piano), Stefano Senni (double bass), Walter Paoli (drums).

1) Heyoke (K.Wheeler); 2) Remembering the rain (B.Evans); 3) L’aurea (S.Onorati);
4) Smatter (K.Wheeler); 5) Blame it on my youth (O.Levant/E.Heyman);
6) Blues connotation (O.Coleman).

Recorded on 17^th April 2013 at Auditorium of F.Venezze Conservatory, Rovigo, by
Roberto Civinelli; mixed and mastered in Livorno, by Stefano Onorati (June 2013).

Livornese, classe 1966, dopo essersi diplomato in pianoforte classico Stefano Onorati si è perfezionato ai seminari di Siena Jazz con Enrico Pieranunzi. Attivo professionalmente dal 1993, si é dedicato nell’ultimo periodo soprattutto a due progetti: il quartetto Novecento, di cui divide la leadership con Nico Gori, ed il trio Three Lower Colours, completato da Marco Tamburini e Stefano Paolini. E’ arrivata quest’anno, inattesa e per questo ancora più gradita, la prima prova come leader nel più classico dei trii jazz, grazie ad uno splendido concerto realizzato proprio nell’auditorium che è uno dei suoi abituali luoghi di lavoro, quello del Conservatorio Venezze di Rovigo. E’ lo stesso Onorati, nelle note di copertina, a raccontarci come: “… al termine dell’intensa giornata di lezione iniziamo le prove con il quintetto di Marco Tamburini, con cui avrei condiviso una parte del concerto … E’ tardi, resta solo mezz’ora per le prove col mio trio, giusto il tempo di fare i volumi sul palco … Qualche giorno dopo il fonico mi dà una copia della registrazione realizzata per l’archivio del Conservatorio. Ricordo di non aver pensato nemmeno a sistemare i microfoni in modo adeguato ma, dopo averla ascoltata, mi accorgo che c’è una magia particolare, di quelle che non capitano spesso, benché avessimo suonato alcuni brani per la prima volta … Penso di poterne comunque ricavarne una buona demo e decido così di fare il mixaggio. Faccio ascoltare il lavoro a Claudio Donà, anche lui docente al Venezze e presente al concerto. Lo ascolta e ne rimane entusiasta. Nasce così l’idea di farne un vero e proprio disco …”. Sei brani per meno di quaranta minuti di musica intensa e altamente suggestiva, che si fa ascoltare tutta d’un fiato, dalla splendida Heyoke, di  Kenny Wheeler – è davvero originale il repertorio, che dà ancora spazio al Wheeler compositore con l’altrettanto riuscita Smatter – al sentito omaggio evansiano (Remembering the rain), da L’aurea, sognante ballad di sua composizione, l’unica dell’album, all’inaspettato conclusivo blues di Coleman. Stefano Senni forma con Walter Paoli una coppia ritmica raffinata ma anche di grande concretezza, capace di dialogare alla pari con il leader, confermando così la piena adesione a quell’idea di trio paritetico che proprio Evans ha disvelato al mondo del jazz.

Stefano Onorati (piano), Stefano Senni (double bass), Walter Paoli (drums).

1) Heyoke (K.Wheeler); 2) Remembering the rain (B.Evans); 3) L’aurea (S.Onorati);
4) Smatter (K.Wheeler); 5) Blame it on my youth (O.Levant/E.Heyman);
6) Blues connotation (O.Coleman).

Recorded on 17^th April 2013 at Auditorium of F.Venezze Conservatory, Rovigo, by
Roberto Civinelli; mixed and mastered in Livorno, by Stefano Onorati (June 2013).

After graduating in classical piano Stefano Onorati, born in Livorno in 1966, perfected himself at the clinics of Siena Jazz with Enrico Pieranunzi. Professionally active from 1993, he has focused mostly on two projects in the last period: Novecento Quartet, in which he shares the leadership with Nico Gori, and Three Lower Colours, together with Stefano Paolini and Marco Tamburini. His first experience as leader in the most classic of the jazz trios happened thanks to a delightful concert in the very same venue that’s one of his usual work environments: the Venezze Conservatory in Rovigo. This was an unexpected and thus even more appreciated experience. Onorati himself tells us the story in the liner notes: “At the end of a long and challenging series of classes, straight into rehearsals with the Marco Tamburini Quintet with whom I’m sharing the billing for that evening. It’s late, with only about half an hour left to rehearse my own trio, just enough time to check the volumes on stage but not to run over the pieces. A few days later the engineer hands me a copy of the recording he made for the Conservatory archives. It dawns on me that at the time I hadn’t even considered arranging the microphones adequately; but after listening to the tape I realize that there is something magical about it, something rare, though we only played some of the pieces for the first time that very night. Instinctively I feel that I can get a pretty good demo out of it and so I decide to mix. For a second opinion I ask Claudio Donà, also a teacher at the Venezze and who had attended the concert, to have a listen: he does and is very enthusiastic…”. Six songs for less than forty minutes of intense and highly striking music, to be listened to in one go. From the wonderful Heyoke of Kenny Wheeler – we also find in the repertory another likewise successfully–recorded composition by Wheeler, Smatter – to the sincere tribute to Bill Evans (Remembering the rain), from L’aurea, dreamy ballad Onorati himself composed, to the unexpected conclusive blues by Ornette Coleman. Stefano Senni makes with Walter Paoli a polished but also solid rhythm section, able to play on the same level as the leader, thus confirming full adhesion to the idea of a joint trio that Evans himself revealed to the jazz community.