Il nostro catalogo
Caligola
Il catalogo di Caligola Records
M.Di Toro Y.Goloubev H.Mathisen
Trionomics
Caligola 2340
Michele Di Toro (piano), Yuri Goloubev (double bass), Hans Mathisen (guitar).
1) Hidden Stories (Mathisen); 2) Hans and Yuri (Di Toro); 3) Overhearing Again! (Goloubev); 4) Bill (Di Toro); 5) French Wind (Goloubev); 6) Tensai Bakabon (Di Toro); 7) A Remark She Made (Mathisen); 8) No. 4 (Mathisen); 9) Robertson (Mathisen); 10) The Call (Goloubev).
Recorded in December 2022 by Stefano Spina at Sala dell’Ermellino, Milano; mixed and mastered in April 2023 by Carlo Cantini at Digitube Studio, Curtatone (Mantova).
Introdotto per la prima volta nel jazz da Art Tatum, e reso quindi popolare da Nat King Cole, il trio “pianoforte–chitarra –contrabbasso” ha forse toccato il suo punto più alto a metà degli anni Cinquanta con Oscar Peterson. Questo piccolo “combo”, di chiara impronta cameristica, benché poco usato sia nel bop moderno che nel jazz d’avanguardia, ha superato la prova del tempo e sembra esser recentemente tornato di moda con il trio composto da Ron Carter, Mulgrew Miller e Russell Malone. Il contrabbassista russo Yuri Goloubev pare trovarsi parecchio a suo agio con questa formazione se è vero che, dieci anni dopo aver pubblicato «Standpoint» (2012, Caligola), con Roberto Olzer al pianoforte e Fabrizio Spadea alla chitarra, è tornato ad utilizzarla in «Trionomics». Per questa nuova ed ispirata seduta di registrazione, che ha avuto per cornice la splendida Sala dell’Ermellino di Francesco Micheli, a Milano, Goloubev ha scelto come compagni d’avventura il pianista abruzzese Michele Di Toro – con cui condivide una lunga esperienza artistica, sia in duo («Duonomics», 2018) che in trio (con Marco Zanoli alla batteria) – ed il chitarrista norvegese Hans Mathisen. Da un “drumless trio” ci si sarebbe potuti aspettare una sequela di standard, arrangiati magari in modo personale, ed invece si rimarrà sorpresi nel trovare ben dieci brani originali, quasi a voler sottolineare che questa formazione è tutt’altro che datata o rivolta nostalgicamente al passato. Nella loro musica, lontana dal mainstream convenzionale, si possono trovare echi di Bill Evans ma anche di Lennie Tristano, che ha guidato un analogo trio con Billy Bauer a metà degli anni Quaranta. È curioso notare infine come l’unico brano non suonato in trio, “The Call”, un piano solo di Michele Di Toro eseguito in chiusura dell’album, sia stato composto da Yuri Goloubev. Raffinata eleganza e fertile creatività qui sembrano davvero complementari e per nulla in conflitto.
Michele Di Toro (piano), Yuri Goloubev (double bass), Hans Mathisen (guitar).
1) Hidden Stories (Mathisen); 2) Hans and Yuri (Di Toro); 3) Overhearing Again! (Goloubev); 4) Bill (Di Toro); 5) French Wind (Goloubev); 6) Tensai Bakabon (Di Toro); 7) A Remark She Made (Mathisen); 8) No. 4 (Mathisen); 9) Robertson (Mathisen); 10) The Call (Goloubev).
Recorded in December 2022 by Stefano Spina at Sala dell’Ermellino, Milano; mixed and mastered in April 2023 by Carlo Cantini at Digitube Studio, Curtatone (Mantova).
Introduced in jazz by Art Tatum and popularized by Nat King Cole, the piano–guitar–bass trio had its peak in the mid–50s with Oscar Peterson. This small combo, clearly inspired by chamber music, may not be frequent in contemporary bop and avant–garde jazz, but stood the test of time and seems to have come back in vogue with the trio consisting of Ron Carter, Mulgrew Miller and Russell Malone. Russian bassist Yuri Goloubev seems at ease in this ensemble as he plays again in one ten years after releasing «Standpoint» (2012, Caligola) with Roberto Olzer on piano and Fabrizio Spadea on guitar. In the new, inspired recording session, which took place in Francesco Micheli’s wonderful Sala dell’Ermellino in Milan, Goloubev was joined by Abruzzese pianist Michele Di Toro – with whom he has often played both as a duo («Duonomics», 2018) and a trio with Marco Zanoli on drums – and Norwegian guitarist Hans Mathisen. From a “drumless trio” one might have expected a bunch of standards, perhaps arranged in a personal way, and yet one will be surprised to find ten original compositions as if to re–iterate this ensemble is all but outdated and tied to the past. In their music, which is far from mainstream, there are echoes of both Bill Evans and Lennie Tristano – the latter led a similar trio with Billy Bauer in the mid–40s. Finally, it is curious to realize that the only song not to be played as a trio, “The Call”, a solo piano by Michele Di Toro, was actually composed by Yuri Goloubev. Refined elegance and fertile creativity are really complementary and never conflicting at all in «Trionomics».
Germano Zenga
Gato
Caligola 2339
Germano Zenga (tenor sax), Luca Gusella (vibes, percussion), Danilo Gallo (double bass, bass balalaika, flute), Ferdinando Faraò (drums, percussion). Special guest: Enrico Rava (flugelhorn) on tracks n. 2/4/10.
1) Merceditas; 2) Antonio das Mortes; 3) Hamba Khale (A.Ibrahim); 4) Lost Tango (G.Zenga, F.Faraò); 5) Sombra de Gato (G.Zenga); 6) El Gato; 7) Mimi’s Dream (G.Zenga); 8) El Pampero; 9) Tupac Amaru; 10) La musica no se puede explicar (G.Zenga, D.Gallo, L.Gusella, F.Faraò).
All tunes, unless otherwise noted, composed by Gato Barbieri Recorded, mixed and mastered between March and April 2023 by Vins De Leo, at Crossroad Recording Studio, Cologno Monzese (Milano).
Pur avendo alle spalle un’intensa attività artistica, Germano Zenga, classe 1971, non ha pubblicato molti dischi da leader, ma ognuno di questi è il risultato di un progetto pensato e portato avanti nel tempo, mai casuale. Di questo gli va dato senza dubbio merito. Molti anni dopo «Tide of Dreams» e «Changin’ Balance» esce ora «Gato!», registrato come i precedenti in quartetto, formazione che sembra essere la sua preferita. Assecondano in modo impeccabile il sassofonista milanese Luca Gusella al vibrafono, Danilo Gallo al contrabbasso ed il batterista Ferdinando Faraò, suo vecchio compagno di avventure. Questo nuovo progetto, messo a punto in almeno due anni di concerti, non vuol essere solo il tributo ad un maestro del jazz com’è stato Leandro “Gato” Barbieri, ma anche una personale rielaborazione ed il dinamico sviluppo delle esperienze che il sassofonista argentino ci ha lasciato, in particolare nelle opere da lui registrate a cavallo fra gli anni ’60 e ‘70 («The Third World», «Fenix», «Under Fire», «Bolivia» ed i primi tre «Chapter»). Il suo pensiero musicale rappresenta il punto di partenza da cui questo quartetto ha poi intrapreso un articolato percorso di esplorazione, trovando alla fine una sua precisa identità. Enrico Rava ha dato un prezioso contributo alla riuscita dell’album. Il celebre trombettista, qui presente in tre brani al flicorno (in “Antonio das Mortes” e “Lost Tango”, oltre che nel breve frammento che chiude l’album, in cui si ascolta anche la voce di Barbieri), ha suonato con Gato sia nella seconda metà degli anni ‘60 che in anni più recenti. Scrive Rava nelle note di copertina: “questo disco è una dichiarazione d’amore a Gato ed alla sua musica: è talmente sentito, profondo ed appassionato che lo stesso Gato ne sarà conquistato. Ne sono certo!”
Germano Zenga (tenor sax), Luca Gusella (vibes, percussion), Danilo Gallo (double bass, bass balalaika, flute), Ferdinando Faraò (drums, percussion). Special guest: Enrico Rava (flugelhorn) on tracks n. 2/4/10.
1) Merceditas; 2) Antonio das Mortes; 3) Hamba Khale (A.Ibrahim); 4) Lost Tango (G.Zenga, F.Faraò); 5) Sombra de Gato (G.Zenga); 6) El Gato; 7) Mimi’s Dream (G.Zenga); 8) El Pampero; 9) Tupac Amaru; 10) La musica no se puede explicar (G.Zenga, D.Gallo, L.Gusella, F.Faraò).
All tunes, unless otherwise noted, composed by Gato Barbieri Recorded, mixed and mastered between March and April 2023 by Vins De Leo, at Crossroad Recording Studio, Cologno Monzese (Milano).
Despite having a long, brilliant career, Germano Zenga (born in Milan in 1971) has not released many albums as a leader, but each one of them is the fruit of a project thought about and carried on carefully. He surely must be given credit for that. Several years after «Tide of Dreams» and «Changin’ Balance» it is now the turn of «Gato!», recorded as a quartet like the previous albums – such ensemble seems to be Zenga’s favorite. Extraordinary musicians like Luca Gusella on vibes, Danilo Gallo on double bass and drummer Ferdinando Faraò, a long–time fellow musician, impeccably support the Milanese tenor saxophonist. This new project, which was developed during at least two years of concerts, does not only want to be a tribute to a jazz master such as Leandro “Gato” Barbieri, but also a personal interpretation and the dynamic development of the legacy the Argentinian saxophonist left us, especially in the albums he made in the late 60s and early 70s («The Third World», «Fenix», «Under Fire», «Bolivia» and the first three «Chapter»). His musical mindset was the inspiration behind the quartet’s articulate path of discovery, which led to finding its own identity. Enrico Rava’s contribution to the album’s success was priceless. The famous trumpeter, who plays flugelhorn in three tracks (“Antonio das Mortes”, “Lost Tango” and the brief album–closing piece where we can also listen to Barbieri’s voice), played with Gato both in the second half of the 60s and in recent years. Rava wrote in the liner notes: “… this album is a love letter to Gato and his music: it is so heartfelt, deep and passionate that Gato himself would be enchanted. I am sure!”.
Beppe Aliprandi Jazz Academy
PianoQ Live
Caligola 2338
Beppe Aliprandi (alto sax, flute), Davide Corini (piano), Tito Mangialajo Rantzer (double bass), Massimo Pintori (drums).
1) PianoQ; 2) Non si comporta male; 3) La storia si ripete; 4) Ragnatela; 5) Magma; 6) La Nouvelle Orleans; Combattimento di Tancredi e Clorinda (suite): 7) Verdebuio; 8) La singolar tenzone; 9) Lamento.
All compositions by Beppe Aliprandi Live recorded in Milan, Italy, between 2015 and 2017
Beppe Aliprandi è un’esponente storico del jazz italiano, coetaneo di Enrico Rava e Franco D’Andrea per intenderci, anche se meno noto al grande pubblico. Ha un lungo percorso artistico alle spalle che, partito all’inizio degli anni ’60 ed attraversata la stagione del free negli anni ’70, l’ha poi aiutato a trovare una sua personale cifra stilistica mediando tra diverse influenze, che vanno da Lee Konitz ad Ornette Coleman. «PianoQ Live», il suo album più recente, terzo per Caligola dopo «Blue Totem» ed «Ironic», è frutto di una serie di registrazioni “live” catturate fra il 2015 ed il 2017, non certo inappuntabili dal punto di vista tecnico ma dotate di rare spontaneità e freschezza. I gruppi di Aliprandi, che portano da sempre il nome di Jazz Academy, hanno visto più spesso la presenza di strumenti armonici come chitarra o vibrafono che non del pianoforte, qui invece presente ed ottimamente suonato da Davide Corini. Echi del Modern Jazz Quartet e di certo cool–jazz sono percepibili nel fugato di “Ragnatela” e nella baroccheggiante “La storia si ripete”. Ma Aliprandi ha sempre tenuto i piedi ben piantati nelle radici del jazz. Inevitabile quindi lo swing, di cui tutto il disco è pervaso. I richiami, questa volta di natura armonica, sono per Fats Waller, il cui fantasma spunta in “Non si comporta male” e “Lamento”, e per Hoaghy Carmichael, riletto con arguzia in “La Nouvelle Orleans”. Più contemporaneo è invece il sapore della suite di tre brani che chiude l’album descrivendo la vicenda narrata da Torquato Tasso e già messa in musica da Claudio Monteverdi. Qui sono le percussioni di Massimo Pintori a preparare l’atmosfera opprimente della foresta dove Tancredi e Clorinda si combattono, cui si aggiungono poi Davide Corini e Tito Mangialajo Rantzer. I tre musicisti danno un importante contributo alla riuscita di quello che è forse uno dei migliori dischi della lunga carriera di Beppe Aliprandi, sia come strumentista – qui, oltre al sax alto, suo strumento principale, in tre dei nove brani suona brillantemente il flauto – che come compositore.
Beppe Aliprandi (alto sax, flute), Davide Corini (piano), Tito Mangialajo Rantzer (double bass), Massimo Pintori (drums).
1) PianoQ; 2) Non si comporta male; 3) La storia si ripete; 4) Ragnatela; 5) Magma; 6) La Nouvelle Orleans; Combattimento di Tancredi e Clorinda (suite): 7) Verdebuio; 8) La singolar tenzone; 9) Lamento.
All compositions by Beppe Aliprandi Live recorded in Milan, Italy, between 2015 and 2017
Beppe Aliprandi is a legendary exponent of Italian jazz, a contemporary of Enrico Rava and Franco D’Andrea in other words, even though he is less known to the large audience. He has had a long career, which started in the early ‘60s, navigated through free jazz in the ‘70s, and helped him find his own style by incorporating various influences from Lee Konitz to Ornette Coleman. «PianoQ Live» is his latest album and the third one released by Caligola after «Blue Totem» and «Ironic». It is the fruit of a series of live recordings made between 2015 and 2017, which are not perfect technically speaking, but possess unique spontaneity and freshness. Harmonic instruments like the guitar and the vibraphone rather than the piano have usually characterized Aliprandi’s bands, which have always been named Jazz Academy; the latter is actually wonderfully played on this album by Davide Corini. Echoes of Modern Jazz Quartet and of certain cool–jazz are felt in “Ragnatela”’s fugato and in the baroque “La storia si ripete”. Yet, Aliprandi has always been grounded in early jazz. The swing, which imbues the album, is inevitable. The harmony recalls Fats Waller in “Non si comporta male” and “Lamento”, and Hoagy Carmichael, whose style is brilliantly invoked in “La Nouvelle Orléans”. On the other hand, the taste of the album–closing, three–song suite that describes Torquato Tasso’s epic poem already set to music by Claudio Monteverdi is more contemporary. On Aliprandi’s version, Massimo Pintori’s drums set the oppressive tone for the forest where Tancredi and Clorinda fight; he is joined on that by Davide Corini and Tito Mangialajo Rantzer. The three musicians contribute to the success of what can be considered one of the best albums of Beppe Aliprandi’s long career not only as an instrumentalist – in addition to alto sax, his main instrument, he plays the flute brilliantly on three tracks – but also as a composer.
Felice Del Gaudio
Molambo
Caligola 2337
Stefano De Bonis (piano, keyboards), out on n. 5, Felice Del Gaudio (double bass, electric bass), Alfredo Laviano (drums), out on n. 5.
1) Amaratea; 2) Aura; 3) Laranja; 4) Irta; 5) Namasté; 6) Molambo; 7) New Life (acoustic version); 8) Rosanna; 9) North Sun; 10) New Life (electric version). All compositions by Felice Del Gaudio, except Molambo, by J.Florence & A.Mesquita
Recorded in 2023 at Over Studio Recording, Cento (Ferrara), by Angelo Paracchini; mixed and mastered in 2023 at Laboratorio Musicale Villa Mazzacorati, Bologna, by Eugenio Bonetti.
La lunga carriera artistica di Felice Del Gaudio è costellata di un gran numero di collaborazioni, che vanno da Paul Wertico a Raphael Gualazzi, anche se la più importante rimane forse quella che lo vede da oltre un ventennio accanto a Daniele di Bonaventura nel gruppo Band’Union. Di tanto in tanto però il contrabbassista lucano, ormai bolognese d’adozione, ama proporsi come leader, ma solo quando ritiene di avere qualcosa di significativo da dire. È questo il caso di «Molambo», album – il settimo a suo nome – che lo vede alla testa dello stesso trio che aveva registrato quattordici anni prima il riuscito «Lucania». Non si direbbe sia passato un così lungo arco di tempo da quell’incisione: il trio ha la fluidità e l’interplay dei gruppi stabili, senza esserlo veramente. Questione di sensibilità, di reciproco rispetto, ma anche di una comune sensibilità musicale che, se per il percussionista Alfredo Laviano è frutto del lungo lavoro comune in Band’Union, per il pianista Stefano De Bonis sembra quasi naturale. Lo stesso infatti ha tenuto a sottolineare, parlando di «Molambo», che “la musica di Felice Del Gaudio si suona da sola”. È un jazz comunque perfettamente in linea con il suo pianismo, contraddistinto da un lirismo pronunciato ma allo stesso tempo essenziale. Tutti i brani, ad eccezione della canzone che dà il titolo al disco, composta nel 1953 dal chitarrista brasiliano Jaime Florence, sono firmati dal leader. In alcuni casi si tratta della riproposizione di composizioni già incise e da tempo appartenenti al suo repertorio, come l’ipnotica e sognante “Amaratea” o la dolcemente danzante “Laranja”, in altri casi invece siamo di fronte ad inediti, com’è “New Life”, qui presente in versione acustica ed elettrica, entrambe riuscite ed in grado di esaltare, grazie ad un’indovinata sospensione ritmica, l’accattivante linea melodica del tema. Una menzione particolare merita infine l’avventuroso solo di “Namasté”, che mette in mostra, se mai ce ne fosse bisogno, la cavata profonda e la suadente cantabilità del contrabbasso di Del Gaudio.
Stefano De Bonis (piano, keyboards), out on n. 5, Felice Del Gaudio (double bass, electric bass), Alfredo Laviano (drums), out on n. 5.
1) Amaratea; 2) Aura; 3) Laranja; 4) Irta; 5) Namasté; 6) Molambo; 7) New Life (acoustic version); 8) Rosanna; 9) North Sun; 10) New Life (electric version). All compositions by Felice Del Gaudio, except Molambo, by J.Florence & A.Mesquita
Recorded in 2023 at Over Studio Recording, Cento (Ferrara), by Angelo Paracchini; mixed and mastered in 2023 at Laboratorio Musicale Villa Mazzacorati, Bologna, by Eugenio Bonetti.
Live recorded on June 28/29/30, 2022, at Auditorium of Conservatory Umberto Giordano, Foggia, Italy; recorded and mixed by Lorenzo Sementili; mastered by Tommy Bianchi.
The long career of Felice Del Gaudio has been studded with collaborations with artists ranging from Paul Wertico to Raphael Gualazzi, even though the most relevant one has been going on for more than twenty years with Daniele di Bonaventura and Band’Union. From time to time the bassist, who hails from Basilicata and whose adoptive city is Bologna, likes to play as a leader but only when he thinks he has something significant to say. That is the case with «Molambo», the seventh album in his name, where he leads the same trio that recorded the well–received «Lucania» fourteen years ago. One would not believe so much time has passed since that album was made: the trio has the same smoothness and interplay of regular groups without being one. It is a matter of mutual respect and sensitivity to music that is the fruit of his long experience with Band’Union for percussionist Alfredo Laviano, while for pianist Stefano De Bonis it feels natural. The latter specified that in «Molambo» “…Felice Del Gaudio’s music plays by itself”. It is a kind of jazz that is perfectly in line with his piano style whose lyricism is marked, yet essential. All tunes but the title–track, composed by Brazilian guitarist Jaime Florence in 1953, were composed by the leader. In a few instances, songs of his repertoire are reinterpreted, like the hypnotic and dreamy “Amaratea” or the sweet, danceable “Laranja”, but there are also previously unreleased tunes like “New Life”, which is played plugged in as well as unplugged. Both versions enhance the theme’s melody thanks to the pitch perfect rhythmic suspension. A special mention has to be made of the bold solo of “Namasté” that showcases, if it is ever necessary, the rich sound and smooth singability of Del Gaudio’s double bass.
Bruno Marini
Untouchable Standards
Caligola 2336
Bruno Marini (baritone sax, piano), Martino De Franceschi (double bass), Alberto Olivieri (drums).
1) Alien (Jerry Goldsmith); 2) Escape from New York (John Carpenter, Alan Howarth); 3) The Thing (Ennio Morricone); 4) Blade Runner (Vangelis); 5) Terminator (Brad Fiedel); 6) Predator (Alan Silvestri).
Recorded and mixed on 15th March 2023 at Brazz Studios, San Michele Extra (Verona), Italy, by Alberto Olivieri.
Quali saranno mai gli “standard intoccabili” cui fa riferimento il titolo del disco? Certamente non i brani appartenenti al grande repertorio della canzone americana degli anni ’30 e ‘40, né le più famose composizioni di Thelonious Monk, Duke Ellington o Benny Golson, solo per fare qualche nome. Per Bruno Marini, veronese, classe 1958, storico protagonista del jazz italiano, fra i più originali ed ispirati specialisti del sax baritono in circolazione, gli “standard intoccabili” non sono nient’altro che le colonne sonore di alcuni celebri film di fantascienza che alla fine degli anni ‘70 e nel corso di tutti gli ‘80 hanno segnato profondamente il genere, ottenendo un successo planetario. Le orchestre e i sintetizzatori delle musiche originali lasciano qui il posto ad un sound caldo e naturale, che sembra uscito dagli anni ’50. L’album è stato registrato in poche ore in presa diretta, senza trucchi né artifici tecnologici. Bruno Marini non è nuovo a queste imprese. Oltre che un virtuoso del baritono è anche un visionario Un’operazione che sulla carta poteva apparire ricca di insidie è così stata ricondotta all’apparente normalità di un jazz che fa dell’improvvisazione e dell’interplay i suoi punti di forza. Ne è testimonianza la mirabile comunione d’intenti che si è subito instaurata fra i componenti del trio. Marini è infatti perfettamente sostenuto nei suoi suggestivi e coinvolgenti voli solistici dal solido contrabbasso di Martino De Franceschi e dalla fantasiosa ma sempre pertinente batteria di Alberto Olivieri, amico di lunga data e compagno di molte avventure musicali, sia concertistiche che discografiche. Il leader siede al pianoforte soltanto nel lungo prologo di “Alien”; negli altri cinque brani suona invece con la consueta mirabile perizia l’amato sax baritono. Risulta particolarmente riuscito il passaggio dall’atmosfera rarefatta, quasi notturna, di “Blade Runner” a quella più movimentata, sostenuta da un incalzante gioco ritmico della batteria, di “Terminator”. Ma fare una graduatoria di merito appare davvero difficile, perché tutti i brani hanno più di qualche motivo di interesse.
Bruno Marini (baritone sax, piano), Martino De Franceschi (double bass), Alberto Olivieri (drums).
1) Alien (Jerry Goldsmith); 2) Escape from New York (John Carpenter, Alan Howarth); 3) The Thing (Ennio Morricone); 4) Blade Runner (Vangelis); 5) Terminator (Brad Fiedel); 6) Predator (Alan Silvestri).
Recorded and mixed on 15th March 2023 at Brazz Studios, San Michele Extra (Verona), Italy, by Alberto Olivieri.
What will the “untouchable standards” the album refers to ever be? Certainly neither the Great American Songbook tunes of the ‘30s and ‘40s, nor the most popular compositions by Thelonious Monk, Duke Ellington or Benny Golson, just to mention a few. For Bruno Marini (Verona, 1958), one of the greatest representatives of Italian jazz and among the most ingenious baritone saxophonists in the current scene, the “untouchable standards” are nothing more than the soundtrack to famous science–fiction movies that shaped the genre from the late ‘70s throughout the ‘80s and achieved global success. The orchestrations and synthesizers are replaced by a warm, natural sound that seems straight out of the ‘50s. The album was recorded “live” in a few hours, with no tricks nor artifices. Bruno Marini is no stranger to such feats. He is a visionary in addition to being a virtuoso on the baritone sax. A tricky project on paper, the outcome is jazz whose strengths are interplay and improvisation and interplay, the impressive common vision the trio shared straight away is a clear proof. Marini’s impressive enthralling solos are backed perfectly by Martino De Franceschi’s solid double bass and the inventive, yet consistent drums by Alberto Olivieri. The latter is a long–time friend and fellow musician on many concerts and records. The leader sits at the piano on Alien’s long intro only; on the other five tunes, he plays his beloved baritone sax with the usual prowess. The shift from the rarefied, nocturnal Blade Runner to Terminator’s lively, animated atmosphere backed by the pressing drums is remarkably well done. Nevertheless, drawing up a chart based on merit is hard as all tracks have more than some reason of interest.
Matteo Mosolo Flavio Zanuttini
Half Black Half White Half Yellow
Caligola 2335
Flavio Zanuttini (trumpet), Matteo Mosolo (double bass).
1) Under Watts Towers; 2) Half Black Half White Half Yellow; 3) Too Black for Beethoven; 4) A Night in Tijuana; 5) Nice of You to Have Come to My Funeral; 6) Fable of Mingus; 7) Theme for Eric Dolphy; 8) Let Children Have Music, Not Noise, Music; 9) A Beach Full of Whales (Ostinato Blues). All compositions by Matteo Mosolo
Recorded on 28th September 2022 at Mobile Recording Studios, Tricesimo (Udine), by Franco Feruglio; mixed and mastered in 2023 at Graceless Home Studio, Udine, by Matteo Mosolo.
Dopo aver suonato (e cantato) “Freedom”, nel suo album in solo registrato durante la pandemia («Isolation», Caligola 2281), Matteo Mosolo ha sentito l’esigenza di rendere omaggio al “maestro” Charles Mingus, nel centenario della nascita, ed ha così scritto, dedicandogliela, una suite per contrabbasso e tromba in nove movimenti, che in modo umile e rispettoso cerca di raccontare la vita e le opere di un animo sì irrequieto, ma pieno d’amore. “Non c’è musicista di jazz” – ci ha confidato il contrabbassista friulano – “che sia riuscito ad emozionarmi in maniera così forte e definitiva come lui. Ancor oggi, ogni volta che mi approccio allo studio di un suo brano, sento come una sorta di timore reverenziale… Per questo motivo non avrei mai potuto omaggiare Mingus suonando e registrando solo sue composizioni.”. Nel 2005, proprio grazie alla scoperta della sua musica, Mosolo ha iniziato a muovere i primi passi nel mondo del jazz; al suo fianco c’era allora l’altrettanto giovane Flavio Zanuttini – entrambi udinesi, classe 1985 – che gli ha fatto scoprire ed ascoltare per la prima volta «Blues and Roots». È stato amore a prima vista. I due musicisti si conoscono da ormai quasi vent’anni – l’interplay che contraddistingue quest’incisione è lì a dimostrarcelo – ed è così sembrato naturale chiedere all’amico trombettista – che nel frattempo aveva sviluppato una tecnica ed una poetica molto versatile e personale – di accompagnarlo in questo suggestivo viaggio nel mondo mingusiano. È ancora il contrabbassista a rivelarci che “sono bastate poche battute per accorgerci che la musica che stavamo suonando andava nella giusta direzione.”. Questo è il quarto album registrato per la nostra etichetta da Matteo Mosolo. Sono dischi completamente diversi fra loro, ma «Half Black Half White Half Yellow» è probabilmente il lavoro sin qui più maturo, riuscito ed originale, un importante passo in avanti nella definizione della propria personalità musicale.
Flavio Zanuttini (trumpet), Matteo Mosolo (double bass).
1) Under Watts Towers; 2) Half Black Half White Half Yellow; 3) Too Black for Beethoven; 4) A Night in Tijuana; 5) Nice of You to Have Come to My Funeral; 6) Fable of Mingus; 7) Theme for Eric Dolphy; 8) Let Children Have Music, Not Noise, Music; 9) A Beach Full of Whales (Ostinato Blues). All compositions by Matteo Mosolo
Recorded on 28th September 2022 at Mobile Recording Studios, Tricesimo (Udine), by Franco Feruglio; mixed and mastered in 2023 at Graceless Home Studio, Udine, by Matteo Mosolo.
After playing (and singing) “Freedom” in his solo album recorded during the pandemic («Isolation», Caligola 2281), Matteo Mosolo decided to pay a tribute to a master like Charles Mingus on the centennial of his birth. He composed and dedicated to him a suite for double bass and trumpet in nine movements, with the aim of telling the life and music of a troubled, yet loving soul in a respectful and humble way. The double bass player from Friuli confided us: “There is no jazz musician that moves me as strongly and consistently as him. To this day, every time I tackle one of his songs I am in awe of him… that is the reason why I never could have paid him a tribute by playing and recording his compositions only.”. In 2005, after discovering his music, Mosolo took his first steps in jazz; Flavio Zanuttini – they were both born in 1985 in Udine – was by his side and introduced him to the album «Blues and Roots». It was love at first sight. The two musicians have known each other for almost twenty years – the interplay on the record is a clear proof of it – and therefore it seemed natural for Matteo to ask his friend trumpeter, who had developed a very personal, versatile technique and poetics, to accompany him on a fascinating journey through the world of Charles Mingus. The double bass player went on to tell us that “a few bars were enough to realize the music we were playing was going in the right direction…”. This is the fourth album that Matteo Mosolo has recorded for our label Caligola. Each body of work is different from the other, but «Half Black Half White Half Yellow» is probably the most mature and original album so far, a big stride forward in the shaping of his musical identity.
Minimal Klezmer
Ot Minusz Ketto
Caligola 2334
Francesco Socal (clarinets, saxes), Roberto Durante (keys, piano, accordion), Enrico Milani (cello), Pietro Pontini (violin, viola). Guests: Matteo Minotto (bassoon, percussion) on tracks 1/3/5/10/11, Martin Teshome (voice) on track 1.
) Hora bananeasca (E.Milani, P.Pontini); 2) Karsilamàs hijaz (traditional); 3) Ciccio’s freilach (F.Socal); 4) Öt plus kettő (R.Durante); 5) Ciccio’s Dream (F.Socal); 6) Incubob (R.Durante); 7) Haneros (traditional); 8) Vounó me vounó (M.Hiotis); 9) Hasapiko kavvadia (L.Kavadias); 10) Bučimiš – Sedi donka (traditional); 11) Di tanzl fun VallonStrasse (F.Socal); 12) Whistle hora (F.Socal); 13) Biz in weisen tog arain (traditional).
Recorded, mixed and mastered in Treviso, in March 2023, by Davide Dall’Acqua.
Formatosi come trio nel 2011 a Londra, il gruppo aveva all’attivo appena due album («Minimal Klezmer» del 2012 e «Oy Oioi» del 2014) prima di decidere, dopo nove anni di silenzio discografico, non certo concertistico, di tornare in studio per fissare un’altra tappa della sua costante evoluzione artistica. Minimal Klezmer è diventato da qualche anno un quartetto stabile, molto attivo nell’area veneta, ma non solo. A Francesco Socal, clarinetto e sassofoni, e al pluristrumentista Roberto Durante, suoi storici esponenti, si sono affiancati prima Enrico Milani al violoncello – subentrato nel 2018 a Martin Teshome, anche lui tra i fondatori, che ora vive in Giappone – e quindi Pietro Pontini al violino, che aveva già collaborato con loro in precedenti occasioni. Di musica klezmer – parola che solo dagli anni ’70 ha acquisito il significato di genere musicale – si è parlato e scritto molto negli ultimi tempi. Pur conservando l’imprevedibilità vagamente dadaista delle origini, Minimal Klezmer sembra aver raggiunto in questo terzo riuscito lavoro un’ancora più matura e riconoscibile cifra stilistica, affiancando al tradizionale repertorio che nasce per lo più dalla rielaborazione di canzoni e danze yiddish, rumene, ucraine, anatoliche o greche, un buon numero di brani originali (sette su tredici), così privilegiando l’utilizzo di pratiche compositive ed esecutive molto vicine alla musica colta del Novecento, alla libera improvvisazione e soprattutto al jazz. È un approccio divertito e scanzonato il loro, che potrebbe indurre a valutare in modo superficiale quattro musicisti preparati e talentuosi (cui si aggiunge in cinque tracce l’amico e fagottista Matteo Minotto, spesso ospite delle loro performance) che, decidendo di affrontare gli impervi ma suggestivi sentieri dell’improvvisazione, sono riusciti a caratterizzare in modo ancora più originale il proprio progetto musicale. E scusate se è poco. «Öt Mínusz Kettő» è un album avvincente, da ascoltare tutto d’un fiato, dall’inizio alla fine.
Francesco Socal (clarinets, saxes), Roberto Durante (keys, piano, accordion), Enrico Milani (cello), Pietro Pontini (violin, viola). Guests: Matteo Minotto (bassoon, percussion) on tracks 1/3/5/10/11, Martin Teshome (voice) on track 1.
) Hora bananeasca (E.Milani, P.Pontini); 2) Karsilamàs hijaz (traditional); 3) Ciccio’s freilach (F.Socal); 4) Öt plus kettő (R.Durante); 5) Ciccio’s Dream (F.Socal); 6) Incubob (R.Durante); 7) Haneros (traditional); 8) Vounó me vounó (M.Hiotis); 9) Hasapiko kavvadia (L.Kavadias); 10) Bučimiš – Sedi donka (traditional); 11) Di tanzl fun VallonStrasse (F.Socal); 12) Whistle hora (F.Socal); 13) Biz in weisen tog arain (traditional).
Recorded, mixed and mastered in Treviso, in March 2023, by Davide Dall’Acqua.
Born as a trio in London in 2011, the group had only released two albums («Minimal Klezmer» in 2012 and «Oy Oioi» in 2014) before going back to the studio after a nine-year hiatus in music making for another phase of its constant artistic evolution. Minimal Klezmer has been a stable quartet for a few years now and mainly, but not exclusively, perform in the Veneto area. Francesco Socal, who is on clarinet and saxophones, and multi-instrumentalist Roberto Durante, the original members, were joined by Enrico Milani on cello – in 2018 he replaced another original member, Martin Teshome, who moved to Japan – and Pietro Pontini on violin, the latter having already collaborated with Minimal Klezmer on previous projects. Lately, much ink has been spilled about klezmer, a word that only in the Seventies has started defining a musical genre. Despite keeping his vaguely, Dadaist unpredictability of the beginning, Minimal Klezmer seems to have attained artistic maturity with its third project and has varied its usual repertoire. Next to interpretations of Yiddish, Romanian and Ukrainian songs as well as Greek and Turkish tradition, it incorporated original pieces (seven out of thirteen) and favoured styles and techniques close to art music of the 20th century, free improvisation and most of all jazz. Its approach is laid–back and easy–going, and might lead to overlook four talented, trained musicians (friend and bassoonist Matteo Minotto, who is often a guest in their performances, plays on five tracks of the album) that crafted an original project by following the tough, impervious path of improvisation. And that is not a small thing. «Öt Mínusz Kettő» is a captivating album to be listened to with no interruption, from start to finish.
Marco Castelli Marco Ponchiroli
Songs for a Desert Island
Caligola 2333
Marco Castelli (soprano and tenor sax), Marco Ponchiroli (piano).
1) Mercé, dilette amiche (G.Verdi); 2) Lascia ch’io pianga (G.F.Händel); 3) Oblivion (A.Piazzolla); 4) Luiza (A.C.Jobim); 5) Azure (D.Ellington); 6) Mazurka Op. 7 No. 2 (F.Chopin); 7) Deborah’s Theme (E.Morricone); 8) Preludio Op. 11 No. 2 (A.N.Skrjabin); 9) Schindler’s List Main Theme (J.Williams); 10) Valse sentimentale Op. 51 No. 6 (P.I.Čajkovskij); 11) Patetica – Sonata No. 8 Op. 13 (L.van Beethoven); 12) Träumerei – Kinderszenen Op. 15 No. 7 (R.Schumann).
Recorded, mixed and mastered at Blackdeer Studio, Preganziol (Treviso), by Alberto De Lazzari and Giovanni Pezzato.
«Songs for a Desert Island» è un lavoro di una qualità non comune. Non siamo soltanto in presenza di ottimi jazzisti che suonano della buona musica, ma di una produzione che coniuga un lavoro di ricerca, di selezione ed elaborazione di alto livello con una “restituzione” sul piano esecutivo ricca non solo di gusto e stile, ma anche di felicissime intuizioni. Il sassofonista Marco Castelli – qui impegnato più al soprano che al tenore – ed il pianista Marco Ponchiroli, entrambi veneziani, hanno intrapreso un intenso suggestivo viaggio tra alcuni grandi compositori del XIX° e XX° secolo. Alla fine di questa lunga esplorazione i due musicisti hanno scelto dodici brani, composizioni di diverso genere nonché di differente provenienza temporale e geografica. Sono esecuzioni che rivelano sia due forti benché diverse personalità artistiche, sia una sorta di affinità elettiva, maturata in numerose collaborazioni e progetti comuni. Si passa così, con la massima disinvoltura, da Beethoven a Chopin, da Tchaikowski a Schumann, da Skrjabin a Verdi, da Händel a Ellington, da Jobim a Piazzolla, da Morricone a John Williams. È un jazz evocativo e lirico quello del duo, che non teme di prendere in prestito brani della tradizione classica europea, di celebri colonne sonore o della grande musica sudamericana, con un’unica eccezione, il magnifico quanto poco suonato tema ellingtoniano di “Azure”, impreziosito da una torrenziale introduzione pianistica. «Songs for a Desert Island» è in definitiva una produzione equilibrata, frutto della ricerca di una dimensione sonora ed espressiva coerenti, che annulla le già citate differenze di spazio, epoca e genere dei brani scelti, introducendo nell’esecuzione continue variazioni di elementi armonici, ritmici e narrativi, sempre ispirate, mai gratuite o di maniera. È un album da custodire gelosamente e portare con sé, ognuno nella propria isola deserta.
Marco Castelli (soprano and tenor sax), Marco Ponchiroli (piano).
1) Mercé, dilette amiche (G.Verdi); 2) Lascia ch’io pianga (G.F.Händel); 3) Oblivion (A.Piazzolla); 4) Luiza (A.C.Jobim); 5) Azure (D.Ellington); 6) Mazurka Op. 7 No. 2 (F.Chopin); 7) Deborah’s Theme (E.Morricone); 8) Preludio Op. 11 No. 2 (A.N.Skrjabin); 9) Schindler’s List Main Theme (J.Williams); 10) Valse sentimentale Op. 51 No. 6 (P.I.Čajkovskij); 11) Patetica – Sonata No. 8 Op. 13 (L.van Beethoven); 12) Träumerei – Kinderszenen Op. 15 No. 7 (R.Schumann).
Recorded, mixed and mastered at Blackdeer Studio, Preganziol (Treviso), by Alberto De Lazzari and Giovanni Pezzato.
«Songs for a Desert Island» is an exceptional body of work. It is not just about excellent jazzmen who play good music, it’s also about a production that combines high–quality research, selection and interpretation with a performance rich not only in style and gusto, but also in inspiration. Saxophonist Marco Castelli – who is mostly on soprano sax on this album – and pianist Marco Ponchiroli, both from Venice, embarked on an intense journey through the songs of some of the greatest composers of the 19th and 20th centuries. At the end of such long exploration, the two musicians selected twelve songs representing different genres and backgrounds. A set of performances that highlights two strong and yet different artistic personalities as well as the connection that developed through collaborations and shared projects. With absolute ease the musicians move from Beethoven to Chopin, from Tchaikovsky to Schumann, from Scriabin to Verdi, from Handel to Ellington, from Jobim to Piazzolla, from Ennio Morricone to John Williams. The duo’s jazz is evoking and lyrical, and is not afraid to borrow pieces from Western classical music, famous soundtracks and Latin American music – there’s one exception, the wonderful yet overlooked Ellington’s theme “Azure” which is embellished with a cascading piano intro. In short, «Songs for a Desert Island» is a balanced project and the fruit of the search for consistent sounds and expression. Differences in space, time and genres in the album’s tracks are cancelled and there are constant harmonic and rhythmic variations – they are always inspired, never banal or predictable. It is an album to treasure and bring to one’s own desert island.
M.Abate V.Fin M.Padoin M.Patton
Il testamento dell’albero
Caligola 2332
Marcello Abate (guitar) out on 4, Matteo Padoin (double bass) out on 5, Daniele Patton (drums) out on 5, Valentina Fin (vocals) out on 3/4/6/7/9. Special guests: Pietro Tonolo (flute, soprano and tenor sax) on 1/6/7, Robert Bonisolo (tenor sax) on 1/7, Paolo Birro (piano) on 4.
1) Fennec; 2) Norma / John; 3) White Note Tune; 4) Solar Panels; 5) Blue Eyes; 6) Call if You Need Me; 7) Campalto; 8) Rabarbaro; 9) Tapum (traditional); 10) Il testamento dell’albero. All music, unless otherwise noted, by Marco Birro; lyrics on 2/8/10 by Valentina Fin and on 5 by Marco Birro
Recorded in 2022 at Snap Studio, Vigo Meano (Trento), by Daniele Patton; mixed and mastered at XPERIMENTA Studios, Ostia (Roma), by Flavio Cangialosi.
A tre anni dalla prematura scomparsa del giovane pianista Marco Birro (1993–2020), Valentina Fin, Marcello Abate, Matteo Padoin e Daniele Patton, suoi amici e compagni di studi al Conservatorio di Vicenza, hanno voluto ricordarlo con un prezioso progetto discografico, che ha oltretutto il merito di farci conoscere delle composizioni rimaste sin qui inedite. Vi si ascolta per lo più una musica malinconica e profonda, in cui le parti vocali, con testi della Fin in italiano (ad eccezione di “Blue Eyes”, parole e musica di Marco), si alternano alle parti strumentali in trio, quartetto e quintetto. Dopo aver completato i suoi studi al conservatorio vicentino, il giovane pianista si era perfezionato al Berklee College di Boston e, pur con un solo album da leader alle spalle («Un bellissimo albero»), si stava affermando come uno dei più interessanti pianisti dell’ultima generazione. Per completare nel migliore dei modi il sentito tributo sono stati chiamati tre illustri ospiti, che furono anche suoi insegnanti, ovvero i sassofonisti Robert Bonisolo e Pietro Tonolo e, in una sola traccia, “Solar Panels”, il pianista Paolo Birro, padre di Marco. Oltre ai tre brani cantati in italiano, intensi e delicati allo stesso tempo, ci piace ricordare “Fennec”, con sugli scudi flauto, sax tenore e voce, usata, in assenza di parole, alla stregua di uno strumento. Il sax soprano di Tonolo è impeccabile in “Call if You Need Me” (di cui esiste su YouTube una versione in piano solo registrata a Boston dal suo stesso autore), così come è avvincente il rincorrersi dei due sax tenore e della chitarra in “Campalto”, che ci riporta ai quintetti guidati da Paul Motian all’inizio degli anni ‘80. “Tapum” infine, tradizionale canto alpino della prima guerra mondiale, ci ricorda la grande passione del giovane pianista per la musica popolare, veneta in particolare.
Marcello Abate (guitar) out on 4, Matteo Padoin (double bass) out on 5, Daniele Patton (drums) out on 5, Valentina Fin (vocals) out on 3/4/6/7/9. Special guests: Pietro Tonolo (flute, soprano and tenor sax) on 1/6/7, Robert Bonisolo (tenor sax) on 1/7, Paolo Birro (piano) on 4.
1) Fennec; 2) Norma / John; 3) White Note Tune; 4) Solar Panels; 5) Blue Eyes; 6) Call if You Need Me; 7) Campalto; 8) Rabarbaro; 9) Tapum (traditional); 10) Il testamento dell’albero. All music, unless otherwise noted, by Marco Birro; lyrics on 2/8/10 by Valentina Fin and on 5 by Marco Birro
Recorded in 2022 at Snap Studio, Vigo Meano (Trento), by Daniele Patton; mixed and mastered at XPERIMENTA Studios, Ostia (Roma), by Flavio Cangialosi.
Three years have passed since the early death of pianist Marco Birro (1993-2020), and his friends and fellow students at the Conservatory of Vicenza Valentina Fin, Marcello Abate, Matteo Padoin and Daniele Patton gathered to pay a tribute to him through a precious project which also uncovers previously unreleased songs. The music is mostly profound and melancholy and the vocal parts, with lyrics that Fin wrote in Italian (except “Blue Eyes”, words and music by Marco) alternate with instrumentals played in a trio, quartet and quintet. After completing his training at the Conservatory of Vicenza the young musician specialized at Boston’s Berklee College and, despite recording one single album as a leader («Un bellissimo albero»), he was on his way to become one of the most interesting pianists of his generation. To complete this heartfelt tribute in the best possible way three special guests, who were Marco’s teachers as well, were invited: saxophonists Robert Bonisolo and Pietro Tonolo and pianist Paolo Birro, Marco’s father, who plays in “Solar Panels”. Besides the three songs in Italian, which are intense as they are delicate, it is worth mentioning “Fennec” where one can hear the flute, tenor sax and the voice used as an instrument since no words are sung. Tonolo’s soprano saxophone is impeccable in “Call if You Need Me” (there is a piano solo version on YouTube played by Birro himself in Boston) and the two tenor saxophones alternating with the guitar in “Campalto”, which reminds of Paul Motian’s quintets in the early 80s, is equally captivating. Finally, the traditional Alpine song “Tapum”, which was composed during World War I, recalls the young pianist’s passion for folk music, especially from Veneto.
Marco Cesarini Uqbar Orchestra!
Transumanza vol. II Vulnus
Caligola 2331
Marco Cesarini (guitar, piano, keys, synth, mellotron, laptop, soundscape), Andrea Angeloni (trombone, tuba), Ugo Conti (alto and soprano sax), Daniele Mazzucchelli (tenor sax, flute), Jean Gambini (tenor sax) – out on n. 8, Nicola Amadori (electric bass), Giulia Di Muzio (drums) – out on n. 8, Giacomo Del Monte (percussion) – out on n. 8. Added on n. 8: Patrick Antoniucci (guitar), Davide Mazzoli (drums), Quercus (electronics).
1) Assenti come bestie; 2) Kubla Khan; 3) L’ombra del mondo; 4) Fremente, in continuo tumulto & Los bandoleros; 5) Solitaire; 6) Unico verso; 7) Vulnus; 8) Arancione tenue, dell’alto celeste. All compositions and arrangements by Marco Cesarini
Recorded in March 2022 at Teatro Comunale, Cagli (Pesaro Urbino), Italy; sound engineer and mixing: Mattia Coletti; mastering: Tommaso “Mr. T” Casadei.
«Transumanza vol. II Vulnus», il più recente progetto del chitarrista, polistrumentista e compositore pesarese Marco Cesarini, è il naturale proseguimento delle idee nate con il primo album della Uqbar Orchestra!, «Transumanza», registrato durante la pandemia con un gruppo meno numeroso e pubblicato nel 2021 dall’etichetta Sonorik. Questo secondo lavoro è il frutto di una residenza artistica promossa da Fano Jazz nel teatro comunale di Cagli nel marzo del 2022 (nel disco è indicato per errore il 2021). Un’esperienza importante, servita ai musicisti per conoscersi meglio e raggiungere un sempre maggiore “interplay”. Non ha una formazione strettamente jazzistica Cesarini, anche se gli otto brani che qui si ascoltano tradiscono le influenze di Charles Mingus, Duke Ellington e Butch Morris. Ma ci sono, in aggiunta, molta musica contemporanea, il rock progressivo degli anni ’70, Frank Zappa e John Lurie, Mats Gustaffson, John Zorn e Moondog, questi ultimi due molto importanti nei suoi primi anni di studio e crescita musicale. In una recente intervista il leader dichiara di essere oggi fortemente attratto dalla musica indiana e medio–orientale, ma più in generale da tutte quelle musiche in cui sono importanti l’aspetto tribale e rituale. Uqbar Orchestra! è un ensemble in continua evoluzione, ed ha per questo delle grandi potenzialità, già evidenti in «Transumanza vol. II Vulnus», che va però considerato un punto di partenza e non certo di arrivo di un lungo percorso. L’obiettivo è quello di riuscire a raccontare storie che siano sempre il frutto di emozioni sincere, anche se nate spesso da stati d’animo contrastanti. Come un viaggio interiore di “transumanza”, che parte da un punto per giungere ad un altro, la musica di Cesarini nasce da un’esigenza sia fisica che spirituale.
Marco Cesarini (guitar, piano, keys, synth, mellotron, laptop, soundscape), Andrea Angeloni (trombone, tuba), Ugo Conti (alto and soprano sax), Daniele Mazzucchelli (tenor sax, flute), Jean Gambini (tenor sax) – out on n. 8, Nicola Amadori (electric bass), Giulia Di Muzio (drums) – out on n. 8, Giacomo Del Monte (percussion) – out on n. 8. Added on n. 8: Patrick Antoniucci (guitar), Davide Mazzoli (drums), Quercus (electronics).
1) Assenti come bestie; 2) Kubla Khan; 3) L’ombra del mondo; 4) Fremente, in continuo tumulto & Los bandoleros; 5) Solitaire; 6) Unico verso; 7) Vulnus; 8) Arancione tenue, dell’alto celeste. All compositions and arrangements by Marco Cesarini
Recorded in March 2022 at Teatro Comunale, Cagli (Pesaro Urbino), Italy; sound engineer and mixing: Mattia Coletti; mastering: Tommaso “Mr. T” Casadei.
«Transumanza vol. II Vulnus», the latest project by guitarist, multi–instrumentalist and composer from Pesaro Marco Cesarini, is the follow–up to the ideas put forth on the first album by Uqbar Orchestra!, «Transumanza», which was recorded during the pandemic with a smaller line–up and released in 2021 via Sonorik label. This second body of work is the fruit of a residency organized by Fano Jazz festival at Cagli Teatro Comunale in March 2022 (the album shows 2021 by mistake). Such experience was essential and helped the musicians know each other better and enhance their interplay. Cesarini doesn’t have a strictly jazz training, even though the eight tracks on the album give away the influence of Charles Mingus, Duke Ellington and Butch Morris as well as contemporary music like 70s progressive rock, Frank Zappa, John Lurie, Mats Gustaffson, John Zorn and Moondog – the last two were significant for Cesarini’s training. In a recent interview the leader declared he’s interested in Indian and Middle Eastern music as well, and generally speaking to music where the tribal and ritual components are essential. Uqbar Ocrhestra! is an ever–evolving ensemble and has a lot of potential as one can clearly hear on «Transumanza vol. II Vulnus», even though the leader considers it to be a starting point rather than the endpoint. The aim is to tell stories that are the fruit of sincere emotions, even if they stem from conflicting states of mind. Just like the “transumanza” (transhumance) which starts from one point and ends in another, Marco Cesarini’s music emerges from a necessity of the body and the soul.